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摇摆舞

摇摆舞

摇摆舞是20世纪20年代至40年代随着爵士乐的摇摆风格而发展起来的一种舞蹈类型的统称，有几百种不同风格的摇摆舞，当今仍广泛流传的有：林迪舞（Lindy Hop）、巴尔博亚舞（Balboa）、沙格遗址舞（Shag）、东海岸摇摆舞（East Coast Swing）和查尔斯顿舞（Charleston）等。其主要艺术特点是自由、奔放、活泼，动作多样且灵动，富有极强的节奏感，不同流派的摇摆舞蹈各具特色。

摇摆舞是20世纪初期，经过美国种族矛盾、经济萧条与战争等多方因素催化而诞生的产物。林迪舞作为摇摆舞最早的一种形式，诞生于纽约哈莱姆区的萨沃伊舞厅，由舞者乔治·斯诺登命名，后续延伸并发展出东海岸摇摆舞、巴尔博亚舞等形态。20世纪中期，这种艺术形式蓬勃发展，涌现了大批优秀的艺术家，并且各种舞厅和乐队迅速发展，意味着正式进入“摇摆时代”。20世纪30至40年代，摇摆舞迎来了被称为“舞厅教练”时期的新阶段，这一阶段舞蹈学校快速崛起，舞厅教学也成为了常态，同时也出现了一些诸如虚假宣传的乱象。第二次世界大战、音乐家联盟集体罢工事件以及国家推行的歌舞税政策等多种原因，导致“摇摆时代”在20世纪40年代末正式结束。直至20世纪80年代，由于迪斯科舞厅的推动，摇摆舞再度迎来复苏，进入“摇摆复兴”时期和新摇摆舞时代。而当今社会中，摇摆舞仍然是一种广受关注的艺术形式和文化现象，世界上有许多国家都开设了专门教学摇摆舞的学校和机构，作为一种交谊舞蹈和休闲运动，它仍然是人们娱乐生活的重要内容。

在摇摆舞发展的悠久历史中，涌现出众多知名的表演艺术家，如弗兰基·曼宁、艾尔·明斯、兰斯·舍曼、迪恩·柯林斯等，他们在参加诸多比赛获得荣誉的同时，还在诸如《Hellzapoppin》《尽情享乐》《爵士舞》等多部舞蹈相关的电影作品中参与表演或编舞。另外，许多舞者还通过在各地进行教学和指导的形式来传播和发扬摇摆舞文化，他们对于摇摆舞的发展做出了巨大贡献。

历史沿革

起源

20世纪初，美国黑人和白人的社会地位悬殊，战争频发、经济萧条令平民百姓苦不堪言。在这样的社会背景下，两种文化开始产生了交叉。在不平等地位的压迫下，黑人选择用一种欢快的方式在音乐里表达自己的情感，释放内心的苦闷及其他不满的情绪，于是爵士乐应运而生。爵士乐的律动也开始融入舞蹈表演之中，因此出现了许多以节奏为主的舞蹈类型。而当时的舞蹈并没有经过系统提炼，黑人也没有接受过任何专业的辅导，他们自行将这种文化和内心的东西相结合，融合了非裔美国舞蹈的节奏、姿势、即兴，白人社会的绅士气质和搭档之间的接触。即兴创作中他们也会进行模仿，如高贵的路人的走路姿势、街头流氓的形态等，在这种节奏中加入了他们想要表达的东西。不论是何种形式，他们所用的律动基本不变。自20世纪20年代起，黑人逐渐向美国北部迁徙，他们的舞蹈也发生了改变，也逐渐形成了“摇摆舞”这一舞蹈类别的雏形。

林迪舞的诞生

摇摆舞类别中发源最早、最具代表性的一类舞蹈——林迪舞的诞生地是纽约哈莱姆区的萨沃伊舞厅(Savoy Ballroom)。1926年3月26日，萨沃伊酒店开门迎宾，并很快成为林迪舞世界的中心。萨沃伊舞厅是当时第一个综合性舞厅，其拥有长达一个街区的舞池和可容纳4000人的场馆，还有一个凸起的双舞台，许多知名舞者和乐队都慕名而来，夜间舞蹈的魅力吸引了许多纽约地区的舞蹈爱好者前来观赏。萨沃伊开业时的音乐主要是热架子鼓（20世纪20年代初流行的一种以舞曲为主、节奏明快的爵士乐类型）和新兴的摇摆爵士。当时有名的林迪·霍普斯舞团(Lindy Hoppers)每周都会参加两支大乐队的大型舞蹈比赛，当时这种还未被命名的、具有节奏感的舞蹈就大受欢迎。。

而“林迪舞”正式被命名是在1928年一次芝加哥马拉松赛赌场的活动现场，“矮子”乔治·斯诺登（"Shorty" George Snowden）在取得比赛优胜后，记者问他跳的是什么舞时的回答。由于因为当时查尔斯·林德伯格（Charles Lindbergh）刚刚完成了他著名的飞越大西洋的单人飞行，据说矮子乔治当时回答说这个舞蹈叫：“林迪跳（Lindy Hop）。”因此，林迪舞的名字逐渐为人们所熟知。

摇摆时代

20世纪20年代的许多舞者(大多是非裔美国人)教“白人”如何表演林迪舞。也正因为这点，他们在一个种族主义非常严重的时期还可以过上体面的生活。摇摆舞逐渐在一些非裔美国舞者之间变得非常有竞争力，有些人会在跳舞时在背上夹着写有电话号码或工作室名称的纸，如果对某个舞者的舞蹈方式感到十分欣赏，便可以通过这种方式与他们取得联系，并上他们的课。这样的竞争使得摇摆舞舞者们逐渐开始做更多的狂野和疯狂的事情来吸引观众的注意。随着舞蹈比赛变得越来越“引人注目”，摇摆舞的内容和形式也在不断丰富，引发了多地的观众追捧，舞蹈艺术家们也纷纷推出新的作品，这也意味着“摇摆时代”的真正来临。另外，摇摆舞的影响也扩展到影视等领域，如《Hellzapoppin》和《Day at the Races》等电影，以及《Malcolm X》和《Swing Kids》都有丝滑流畅的空中动作等摇摆舞元素的加入。

在20世纪30年代早期，萨沃伊舞厅的一名首席保镖休伯特·怀特注意到一个前所未有的商机，他成立了一个名为“怀特跳跳狂魔”的团体，后改称为“怀特林迪Hoppers” 。这类团体当时有着相当开放的市场，各种各样的林迪舞舞团开始发展起来，它们在镇上的舞厅和棉花俱乐部等场所进行展览和表演。在林迪Hoppers统治时期，林迪舞呈现出一种“精致或干净的外观”，流畅舒缓的风格是这一时期典型的特征，后被人们称作“平滑林迪”。平滑林迪有了更多的6拍动作，并且为女士提供了非常严格的动作规范，逐渐演化成了后来人们熟知的的西海岸摇摆。西海岸舞通常伴随着布鲁斯而不是摇摆音乐，是加州的官方州舞。

还有一种普遍说法认为，摇摆时代始于1924年路易斯·阿姆斯特朗加入弗莱彻·亨德森乐队时。在加入亨德森乐队后，路易斯·阿姆斯特朗向世界展示了他演奏小号的措辞、时机和风格，引领摇摆爵士乐的发展。也正是在他加入亨德森的乐队十多年后，摇摆舞时代才正式开始。摇摆时代较为出名的乐队除亨德森乐队外，还有本尼·古德森的乐队等，这些乐队的唱片逐渐开始占领加利福尼亚等地唱片排行榜的前列。

这一时期摇摆爵士乐迅速主宰美国的社交世界。每个乡村俱乐部、夜总会、舞厅、收音机和电影的背景音乐都充满了摇摆爵士乐。人们伴着甜美的摇摆架子鼓曲调狐步舞（20世纪初期由美国的哈利·福克斯创造的舞蹈类型），人们伴着热烈的摇摆爵士曲调林迪跳。在第二次世界大战期间，摇摆舞仍然很受欢迎，大大小小的乐团都随USO（军人与联合服务组织）在陆军和海军营地巡回演出。USO用这种形式给那些远离家乡和亲人、承受战争压力的士兵和水手们带来了家和正常生活的感觉。

“舞厅教练”时期

到1936年底，林迪舞在美国拥有极高热度的同时也遭受了许多争议和质疑。大多数正规舞蹈教练对林迪舞的第一反应是冷淡的否定。1936年，美国舞蹈教师协会主席菲利普·纳特尔(Philip Nutl)表示，摇摆舞的热度不会持续很久。1938年，舞蹈教师商业协会主席唐纳德·格兰特(Donald Grant)说：“摇摆音乐是架子鼓的一种堕落形式，其信徒是经济不稳定的不幸受害者。”然而在1942年，纽约教师协会的成员们响应相关政策，进一步加大对摇摆舞的重视程度，并且对它的“嬉闹”加以改进，以更好适应舞池的氛围，这一改变也促使了东海岸摇摆舞快速发展。。

20世纪40年代初，林迪舞和其他形式的摇摆舞开始美国当地的舞蹈学校和机构普及，最为出名的有纽约教师协会和亚瑟默里学校等。当时的交谊舞团体的重心在教授外国舞蹈，比如阿根廷探戈、巴西的桑巴舞、恰恰舞、奥利华尔兹等。在这一时期，亚瑟默里工作室(Arthur MurrayStudios)观察了每个城市的舞池里流行的舞蹈类型，并指示旗下的教师紧跟潮流，教授他们所在城市正在流行的舞蹈。因此，亚瑟默里工作室在每个城市教授不同风格的摇摆舞，在圈内名声大噪。从20世纪40年代中期开始，林迪舞被舞厅的老师们进行了提炼和提炼，以适应他们所教学的舞蹈风格，并且在形式和难度上照顾肢体不够灵活的人群以及那些花钱上舞蹈课的老年人。他们采用了林迪舞的最基本的动作，并使用了狐步舞的步伐。此外，舞厅教练们还在这种新型的摇摆舞中加入了当时流行的拉丁舞元素，如拉丁舞的臀部动作等。这种新型的舞厅摇摆舞通常被称为“三次”东海岸摇摆舞，凭借其简单易学的特点大受欢迎，掀起了“舞厅摇摆舞”的热潮。

但这一时期摇摆舞领域也出现了一些乱象，最典型的便是某些舞厅用虚假宣传的手段欺骗他们的顾客。教练们通过参加公众活动的形式，表演和推广林迪舞，当人们问及他们所跳的舞蹈种类时，他们会说这是“吉特巴舞（发源于美国西部地区的交谊舞种）”或“林迪舞”。但当这些人报名参加课程时，他们被教授的是传统意义上的林迪舞而非他们所表演的新式舞厅摇摆舞。

在20世纪50年代，摇摆舞登上了由迪克·克拉克主持的流行舞蹈电视节目《美国舞台》，逐渐被很多青少年模仿学习，而他们所学习的这种摇摆舞形式被一般被称为街头版的舞厅摇摆舞。由于全国性广播节目的播出，东海岸摇摆舞(舞厅摇摆舞的街头版本)被更多的人认识和学习。

摇摆时代的终结

摇摆时代被许多因素扼杀，第二次世界大战就是其中之一，虽然摇摆音乐在参战的水手和士兵中很受欢迎，但战争迫使乐队的其他成员不得不雇佣不熟练的表演者，并且当时的形势已不足以支撑人们把大量精力投入到歌舞娱乐之中。当时几支知名乐队，如格伦·米勒等人组建的乐队都逐渐解散。

摇摆时代结束的另一个重要因素，是1942年8月1日二战背景下的音乐家联盟罢工。由于二战影响，许多摇摆舞团体以及唱片公司生存环境堪忧，诸如迪卡唱片、BlueNote等多家知名唱片公司均陆续签署协议，该时期摇摆音乐领域一度处于混乱的局面。在美国歌手变得越来越流行，而摇摆乐队的地位极剧下降。

1941年的歌舞税也是促使摇摆时代终结的一个重要因素，这一政策的出台导致俱乐部支付30%的门票收入作为税收。这意味着俱乐部聘请的乐队必须更小、更便宜，这是以摇摆爵士大乐队为代表的诸多摇摆乐队所面临的一大危机与挑战。而与此同时一种新的架子鼓声音——Bebop，开始流行起来，低成本的节奏蓝调乐队也逐渐变得受欢迎起来。

随着第二次世界大战和大萧条的结束，摇摆音乐和摇摆舞不再拥有曾经的辉煌，摇摆时代悄然落幕。

新摇摆舞时代

20世纪80年代至90年代，摇摆舞再次流行起来，在近50年的沉寂之后，一场新的“Swing爆炸”在东西海岸发生，这也是历史上所谓的“新摇摆舞时代”。新兴的西海岸摇摆舞和摇摆舞的舞蹈学校版本（传统舞厅摇摆舞）和街头版本（东海岸摇摆舞）都开始被新晋舞者们所学习和传播，其中西海岸摇摆舞主要在南加州的一些俱乐部中流行。

20世纪80年代初期的“新浪潮”朋克已经成为当时最新的流行音乐趋势。然而在众多新浪潮乐队中，出现了一些演奏乡村摇滚和跳布鲁斯的乐队，还有些乐队将铜管乐器和簧片乐器重新引入流行音乐。在这些摇滚乐队中，最著名的是由布莱恩·塞策组建的流浪猫乐队。这些乐队、表演者和部分复兴的音乐为摇摆舞音乐的整体复兴奠定了基础。和发展初期一样，摇摆爵士乐与早期的摇摆舞林迪舞有着共生关系。两者互相帮助创造了对方。这种关系在20世纪80年代再次发挥作用，令它们再度回到人们的生活之中，并成为了不可或缺的一部分。在这一时期，有许多来自其他国家的音乐家和表演者来到美国探源摇摆音乐与摇摆舞蹈，并将它们进一步发展。其中较为出名的是来自朋克乐队的艾迪·尼科尔斯(Eddie Nichols)，他主要研究朋克、早期节奏蓝调、摇滚摇滚乐和其他早期美国音乐风格的根源。1989年，他成立了皇家皇冠剧团，将这些早期风格的元素结合起来，形成了一种新的摇摆声音“neo-Swing”。

摇摆舞欢快、有感染力的节奏以及极强的社交属性使其格外受人们欢迎。许多新晋的摇摆舞者厌倦了老式的电子舞曲和嘻哈俱乐部的无形式、自由式舞蹈，他们喜欢能够抓住现实生活中的伴侣。他们不仅随着本尼·古德曼和路易斯·乔丹等艺术家创作的经典音乐跳舞，而且还加入了变化更多、节奏更快的复古乐队音乐，其中较具代表性的有BigBad Voodoo Daddy、布莱恩·塞泽尔等典型的大乐队风格乐队，还有Squirrel Nut Zippers和Mora’S modern Rhythmists等热架子鼓风格乐队。这一时期也涌现出诸如布莱恩·塞泽尔、路易·普里马等众多新晋摇摆音乐表演者。。

摇摆舞的服装也在新摇摆舞时期发生了较大的变化。在表演的过程中，年龄稍长的人一般会选择穿着休闲装，而年轻人则喜欢穿西装、衬衫搭配领带，或者全套的zoot套装（又称“阻特装”，20世纪30年代改良自伦敦“悬垂式”西装的一种潮流西装类型），充满时尚元素。穿着蕾丝和裙子的女孩们，随着摇摆时代经典音乐的旋律肆意摇摆。几乎每个舞者的脚上都踩着两只被称为“看客”的有音调的牛津鞋（由牛津大学引进改良的制服鞋类）。

对于在艾滋病危机中成长起来的一代人来说，摇摆舞为他们提供了一种快乐的生活和娱乐方式，服装造型上对于性感的大胆展示、近距离的社交接触以及优雅的表演形式都让令人眼前一亮。在这一时期，摇摆舞及摇摆音乐领域公开反抗当时流行的“垃圾摇滚音乐”，以及衣衫褴楼不搭配的造型。许多舞蹈学校的报告显示，学习经典摇摆舞的学生人数激增，在俱乐部、宴会厅和学校舞会上，舞池里满是旋转、摇摆的舞者，他们展示着他们最好的林迪舞步，并享受着舞蹈带来的乐趣。

摇摆复兴

20世纪90年代初至1998年夏天，被人们称作 “摇摆之夏”或“爸爸之夏”，这是摇摆舞音乐和摇摆舞重新焕发生机的重要时期，包括几乎被遗忘的摇摆爵士乐也在这一阶段迎来复兴。在新摇摆音乐的推动下，像林迪Hop和西海岸摇摆舞这样的摇摆舞曲再度流行起来。夜总会以摇摆舞之夜为特色，乐队如皇家皇冠剧团、布莱恩·塞策和Big Bad Voodoo Daddy等纷纷开始营业，吸引了众多舞者，越来越多人愿意为新乐队付费，以满足他们的舞蹈和音乐瘾。

到1997年，新摇摆音乐融入了更多的跳跃布鲁斯元素以及越来越流行的斯卡和朋克声音。这进一步提升了声音的能量，并促进了新摇摆音乐风格的多样性。1993年的《Swing Kids》和1996年的《Swingers》等电影更是火上浇油。此外，一支名为“松鼠坚果拉链”(SquirrelNut Zippers)的乐队复兴了20世纪20年代中后期的热门爵士乐。

现代摇摆舞

虽然自2000年以来，媒体对摇摆“风尚” 的报道和新摇摆音乐的唱片销量有所下降，但摇摆舞和摇摆音乐仍然保持着忠实的追随者。美国各地，以及美国以外的几个组织，都成立了协助当地摇摆舞传承和发展的组织。当今摇摆舞在美国的各大都市里仍然是夜生活的重要组成部分，其他国家的诸多城市中也活跃着许多摇摆舞社团和教学机构。21世纪，摇摆舞除了是一种娱乐舞蹈之外，还是一种很好的休闲运动，没有年龄性别限制、较低的门槛都是它吸引当代年轻人的重要因素。

摇摆舞和中国在21世纪初相遇，美国人将其带到了北京，随后向上海市、深圳市、成都市、杭州市等20余座城市拓展，逐步建立起各个城市的摇摆舞社群。作为一个舶来品，摇摆舞在中国最初只流行于曾在西方留学或工作的群体，随着越来越多的中国都市青年被其欢快的步伐与轻松的氛围所吸引，摇摆舞才开始在中国真正地扩大化并且扎根普及开来。而在中国国内目前的摇摆舞发展和20世纪80年代的中国街舞有些类似，属于亚文化群体的身体活动，暂未形成相关的学科课程体系，国内摇摆舞的教师大多也都是非专业舞者出身，在国外找大师学习后结合自己的思考和中国人的身体习惯与特点形成教学模式，参与摇摆舞课程的群体通常也是业余爱好者。由此可见，摇摆舞的教室空间是由非专业群体构筑的，是一个包容性、开放性、趣味性并存的舞动空间。

艺术特点

舞蹈特点

摇摆舞的整体舞蹈特点可以概括为：自由、奔放、活泼，动作多样且灵动，富有极强的节奏感。但它的不同流派之间的舞步及节奏各有特色，例如林迪舞，它作为最早的一种摇摆舞的舞蹈形态，结合了非洲、欧洲舞蹈表演的节奏和风格，以及完全由美国人创造的舞步，并伴随着热架子鼓、摇摆爵士和跳跃布鲁斯（出现于20世纪40年代中期到晚期的一种带爵士气息的快速布鲁斯风格）进行表演。舞蹈家弗兰基·曼宁指出林迪是各种8、6、4和10步的混合动作，舞步的时机并不是它的精髓，最重要的是“感觉”，表演时大量运用下肢动作也是其重要特点之一。

而西海岸摇摆舞有的平滑、舒缓，有的时尚、热辣，相对于其他几种而言，它的舞步较为规整保守，经常以一些直立的姿势和动作呈现，也被称作“精致摇摆舞”。它的节拍包含了6拍的舞步和8拍的舞步。动作是线性方向移动，有很多手部动作，其受到了来自于墨西哥和美国西南部的拉丁裔美国人的影响。东海岸摇摆舞(有时被称为“吉特巴舞”或“ECS" )则是一种由交谊舞学校发明的六拍摇摆舞，有着交际舞和街头舞蹈两种主要风格。东海岸摇摆舞通常是现代人们第一次接触的摇摆舞，因其具有简单易学的特点而深受初学者的喜爱。

音乐特点

音乐风格

摇摆音乐，主要指20世纪30年代和40年代早期最流行的美国音乐风格。摇摆音乐中最为普遍和常见的是摇摆爵士乐，其最突出的特点之一是使用更自由流畅的节奏，每小节使用四拍，而不是新奥尔良迪克西兰犹他爵士队乐中常见的两拍。节奏本身将由钢琴和/或组鼓或偶尔的吉他提供，而老式的大号被弦乐低音提琴所取代。另一个变化是riff的普遍使用，即在乐队乐器部分之间的呼叫和响应模式中反复使用的短旋律思想。这些小节通常是由小号和长号等铜管乐器组成的，以及由萨克斯、单簧管等乐器组成的簧片组。这种回应式的风格很大程度上模仿了非裔美国南方浸信会教堂的回应式风格。许多早期的摇摆爵士乐乐队发展到有16种或更多的乐器相互演奏或相互对抗。摇摆架子鼓有不同的风格。有热门乐队，如贝西伯爵和汤米·多尔西，他们经常演奏快速有力的跳跃曲调。也有擅长甜美风格的乐队，比如格伦·米勒管弦乐团，他们演奏的即兴曲调较少，更强调感伤。一般来说，热辣的曲调是快节奏、会让人心跳加速的歌曲，而甜美的曲调则是节奏较慢的，往往是让人心动、身临其境的歌曲。

除了摇摆爵士乐，“摇摆音乐” 也可以指任何一种摇摆舞很常见的音乐风格。这些摇摆舞曲风格的音乐包括20年代的热爵士，摇摆爵士、跳跃和jive、跳跃蓝调、蓝调、节奏蓝调、复古摇滚、乡村摇滚和新摇摆，因此这种音乐形式也被称为复古摇摆。一般来说，摇摆音乐是快节奏的，通常是欢快的，声音宽阔、饱满，有一种向前推进的气势切分节奏。音乐通常是4/4或4/8拍子，强调均匀的节拍。在最纯粹的形式下，它是一个灵活的平台，在这个平台上，单个音乐家可以在整体做出和谐贡献的同时发挥创造力。

音乐技巧

摇摆舞的音乐中对于切分音的运用十分普遍。对切分音的简单描述就是创造节奏上的惊喜，这通常可以通过强调某些音符或不均匀的节拍来实现。

当谈到摇摆、音乐和切分音时，一般认为摇摆指的是创造一种想要驱使人们随着音乐跳舞和摇摆的向前的势头。通常这是通过将每个节拍分成一对8度音符来实现的，但演奏第一个音符比8度稍长，然后演奏第二个音符比8度稍短，反之亦然。这有时被描述为第一个音符“窃取”了第二个音符的一些时间，因此它们的持续时间不相等，这通常被称为“摇摆时间”。

另一种“摇摆”音乐的方式是在实际节拍之前演奏一小部分节拍，使音乐作为一个整体有一种向前的动力。另一方面，在节拍后面或稍晚一点演奏可以给音乐一种放松的感觉。

主要流派

林迪舞(Lindy Hop)

林迪舞是摇摆舞的鼻祖，它发源于20世纪20年代的美国。就像爵士乐结合了欧洲和非洲的音乐起源一样，林迪舞也结合了非洲的节奏和风格，并且融合了许多欧洲的音乐元素，诸多艺术家通过理论创新和实践研究，创造出了这种独特的美国舞蹈形式，完成了美国音乐:热爵士，摇摆爵士和跳跃布鲁斯。它主要是一种8拍的舞蹈，与当时新兴的摇摆爵士乐共同发展发展，是基于早期舞蹈的混合，如Breakaway和查尔斯顿舞的融合。爵士乐和林迪舞之间属于相辅相成、相互促进的关系。

正如20世纪30年代充满活力、躁动不安的纽约城一样，林迪舞是一种风格独特、活力四射的舞蹈，可以双人对舞，也可以集体共舞。它动感十足又诙谐幽默，有着大量腾举跳跃、踢踏摇摆的动作，是伴随摇摆爵士乐的最佳表演。林迪舞是最早采用空中抛举技巧动作的舞蹈，需要更多空间和很高的专业技巧。是一种八拍的摇摆舞，其特有的空中特技动作尤为著名。所谓的空中动作就是两个舞者中的一名在空中进行舞蹈，通常会有诸如翻、转或滑动的表演，有些类似于杂技。这种舞蹈除了其独有的特技动作外，还有各种不同的变化和风格，有的热烈激烈富有激情，有的缓慢优美富有风情。

在舞蹈技巧上，林迪舞舞者的舞蹈姿势也比其他交谊舞放松很多，舞姿较低，像是在低空飞行，但同时又比较有力。姿势低并不代表动作看上去懒散无力，林迪舞动感的姿势就像在做一种需要平衡和灵活度的动作。在林迪舞的表演中可以看到很多下半身的动作，如胯、膝盖，以及跟随复杂节奏型快速移动的脚步动作。林迪舞的基础步法是切分三步的步法，三步步法是指在二拍中走三步。林迪舞双人舞是一种领舞和跟舞者之间自发的跳舞，没有提前编舞，也不是固定的动作。林迪舞表演的重点是演奏的音乐、舞伴，以及两人之间自发的合作。

东海岸摇摆舞(East Coast Swing)

东海岸摇摆舞又被称作“吉特巴舞”，它是一种六拍的舞蹈，融合了许多上肢运动和旋转。其主要风格上，融合了狐步舞和恰恰舞的步法，以及拉丁舞的舞台表演风格。东海岸摇摆舞主要有两种风格类型，一种是较为舒缓、优雅的交谊舞风格，它以直立的姿势跳舞，伴随着拉丁臀部的动作，通常不以槽口的方式跳舞，并且严重依赖于“三步三步”的步法。而另一种则是热烈、奔放的街头舞蹈风格，它的舞姿通常略显接地气往往比交际舞风格更有槽型，不使用拉丁部动作。在“摇摆时代”，后者要比前者更加受欢迎。

同时，简单易学也是东海岸摇摆舞的一大特点，这也是它后期成为最为普遍的摇摆舞步的重要原因，这种可以短时间内学习和掌握的舞蹈对于人们有着极大的吸引力。具体来说，东海岸摇摆舞是一种节奏为六拍的舞步，比起以八拍节奏为基础的林迪舞简单了许多，这也使其成为了很多交谊舞的基础舞步。

查尔斯顿舞(Charleston)

查尔斯顿舞早在摇摆舞出现之前就已经存在了，它是林迪舞的一个重要灵感来源。由于林迪舞一直被摇摆舞迷们所热爱，因此大家也就逐渐淡忘了它的前身，而认为它就是摇摆舞的一种。查尔斯顿舞掀起了20世纪20年代的第一波舞蹈潮流，以拉格泰姆音乐为伴奏。为了和摇摆舞里的查尔斯顿元素相区分，也被称为“20世纪20年代查尔斯顿舞”。

最开始的查尔斯顿舞，具有无拘无束、疯狂而华丽的风格特点。一战后，在经济逐渐复苏，人们对生活重拾希望的年代，各个人种的人们也在寻求新的娱乐和社交体验，而查尔斯顿舞凭借其突破规则与框架的“自由性”，受到了很多人的青睐。在具体的舞台表演上，查尔斯顿舞是一种以腿部动作为主的舞步，它最大的优点是极强的兼容性，可以掺在任何不同的摇摆舞步中带出多变的风格。

沙格舞(Shag)

许多人认为沙格舞是一种相对独立的舞蹈形式，但包含的风格可以被认为是摇摆舞和摇摆舞与其他早期舞蹈类型的交叉。最初的“大学沙格遗址舞（Collegiate Shag）”起源于新奥尔良，有时被称为“跳蚤舞” 。它在20世纪20年代早期十分流行，早于林迪舞。它主要是随着快节奏的拉格泰姆爵士类型的音乐起舞。多年来，学院式沙格舞已经分裂成各种各样的风格。其主要类型中，传统学院式沙格舞和默里沙格舞可以与基本的摇摆模式混合，从而成为“摇摆球”。卡罗莱纳沙格舞是20世纪30年代大学沙格舞的一个分支，而在现代，它拥有更多的摇摆舞色彩。圣路易斯沙格舞更像是一个以速度为主导的竞争型舞蹈，这与其他几类沙格舞截然不同。

在舞台表演上，沙格舞是一种由轮流的单足跳跃步组成的舞步。跳这种舞的时候，需要一对舞者之间保持很近的距离，以通过利用对方身体所提供的支撑力保持平衡。由于单足跳跃，消耗的热量相当可观，所以它是一种非常好的健身方式。

巴尔博亚舞(Balboa)

巴尔博亚舞是一种要求速度的舞蹈。它表演时，需要一对舞者在上半身互相挤靠着对方的同时，做出速度非常快的舞蹈动作,这种舞蹈需要舞者和其舞伴有很好的默契从而达到“合而为一”的效果。

捷舞（Jive）

捷舞是一种国际标准交谊舞，它通常非常欢快，表演者看起来好像一直在地上跳跃。它最初是基于美国军队在第二次世界大战中带到英国的东部摇摆舞，经过不断发展成为了今天的标准化形式。

摇摆舞比赛

比赛种类

不同舞蹈比赛形式有不同的评判方式，主要有以下四种：

固定搭档（Strictly）：一对搭档在不同的预赛中跟随机音乐比赛，不允许预先编排好的舞步。

随机搭档（Jack and Jill）：领舞和跟舞随机配对。在最初的几轮比赛中，领舞和跟舞通常单独竞争，但是在最后几轮中，得分取决于你抽到的搭档的能力和你与该搭档合作的能力。有一些差异化的随机搭档比赛规定领舞必须是女人，跟舞必须是男人。

编舞比赛（Showcase）：一对搭档通过预先准备好一首编舞进行比赛。

经典赛（Classic）：和编舞比赛类似，但是对于托举、下探、一个舞者用身体支撑另一个舞者的重量、以及舞伴之间没有肢体接触的动作有限制。

段位等级

在西海岸摇摆舞比赛中，根据舞者经验将比赛分为几个等级——新人（Newcomer）、见习（Novice）、中级（Intermediate）、高级（Advanced）和全明星（All-Star）。美国并没有官方的制度确保比赛者在合适的等级比赛。参赛者应该记录自己的积分，并在比赛时注册相应的等级，在某个等级获得7分后便晋升至下一等级。世界摇摆舞协会（The World Swing Dance Council）拥有一个不同级别比赛所有分数的注册表，但并不是所有的比赛都有资格成为“注册积分活动”。

评判标准

摇摆舞属于美国节奏舞蹈的范畴，根据所表演舞蹈的不同类型，分为几个不同的类别，也有着差异化的评判标准，但最常使用的那些规则是从舞厅比赛的中提取和改变而来的。

比赛的评判基于三个“T”和表演技巧（除非比赛指定观众为评判的决定因素）。这三个“T”包括：

时机把握（Timing）：和音乐的速度和节奏有关；

团队合作（Teamwork）：领舞和跟舞一起跳舞的水平、领舞/跟舞的舞蹈变化有多好；

技巧（Technique）：舞蹈动作完成得是否利落和准确；

表演技巧（Showmanship）：包括舞蹈的呈现、创意、服装和动作难度等。

事实上，林迪舞最负盛名的赛事从来没有使用过这些标准，通常只是简单地评判哪一对是最好的、最令人印象深刻的林迪舞舞者。在纽约市举行的“The Harvest Moon Ball”比赛，美国本土爵士乐协会举办的Hellzapoppin'比赛以及Ultimate Lindy Hop Showdown都属于这一类。

代表人物

弗兰基·曼宁（1914-2009）

舞者、编舞、教师。弗兰基自幼酷爱舞蹈，早期在萨沃伊舞厅中的表演使其名声大噪。1934年，弗兰基正式成为一名舞蹈家，并担任原版《怀特的林迪》的首席编舞。弗兰基在诸多舞蹈比赛中均取得过优异的成绩，他的灵感来自第一代林迪舞的表演者“矮子”·乔治·斯诺登和勒罗伊·“斯特拉奇”·琼斯，高难度的舞蹈动作和灵活且富于变化的舞蹈内容是弗兰基舞蹈表演的鲜明特点。弗兰基还出演过几部电影，包括1937年马克思兄弟的《赛马的一天》和《地狱之战》等。在1947年，他组建了自己的舞蹈团“康格鲁舞蹈团”(The Congaroos Dancers)。20世纪80年代中期，摇摆舞复兴时期，弗兰基被派到世界各地主持讲习班和讲座，并为瑞典的节奏热镜头等团体开发编舞。他对林迪Hop舞步和风格的许多创新都做出过重要贡献。

安·约翰逊

是林迪舞的第二代主要传承者之一，是20世纪40年代知名的摇摆舞者。曾在1940年至1942年与弗兰基·曼宁在“Whitey's Lindy Hoppers”合作演出，并于1947年至1952年期间再度合作。她因1940年和弗兰基一起出现在《生活》杂志上的照片而闻名，她被认为是一个非常健壮和敏捷的舞者。在电影《Hellzapoppin》中著名的林迪场景、《热巧克力》以及电影《杀人凶手》中都能看到她的身影。

艾尔·明斯（1920-1985）

美国舞者，他在电影《大苹果》、《热巧克力》、《爵士舞》和《精神运动》中的表演最为人所知。他是萨沃伊舞厅(Savoy Ballroom)最早的林迪舞舞者之一，以其令人难以置信的创新、灵活性和活力而闻名。他最出名的是他的电影和舞台表演，在20世纪30年代和40年代在哈莱姆的“Whitey 's Lindy Hoppers”受到许多观众的赞誉与追捧。明斯一生都在努力推广他和他的同伴们在纽约萨沃伊舞厅帮助开创的舞蹈。

1938年，艾尔·明斯和桑德拉·吉布森在“丰收月舞会”中获得优胜。艾尔被认为是一个精力充沛的舞者，灵活、华丽、狂野、疯狂的腿部风格类似于当时另一位名叫乔治·格雷里奇(George Grenidge)，也被称为“长腿乔治”的林迪跳舞者。艾尔被许多人认为是最有才华的林迪舞者之一，他参加了著名的“哈莱姆Congaroos”(怀特的顶级组合)。作为这个舞蹈团中最年轻的舞者，其良好的身体素质和灵活多变的舞蹈动作成为他吸引观众的重要因素。他也被认为是第一个在摇摆时将舞伴向后摇晃，创造出线性美感的舞者之一。他被许多现代摇摆舞者认为是深蹲查尔斯顿的“国王”。

兰斯·舍曼

兰斯·舍曼从事摇摆舞表演工作有着数十年的经验，他的一长串舞蹈证书可以用他五次获得美国公开赛摇摆舞冠军来概括。除了在很长一段时间内作为一名常规舞者一直名列前茅之外，他还参加了十多年的杰克和吉尔邀请赛/冠军赛。他经常被比作年轻的迪恩·柯林斯，以其流畅优雅的风格而闻名。其主要奖项和荣誉有：1986年及1990年美国摇摆舞公开赛冠军、1991年羽毛奖“最佳摇摆舞表演舞者”、1996年加利福尼亚州摇摆舞名人堂“新星”奖等。。

迪恩·柯林斯

迪恩·柯林斯在18岁(1935年)时便获得了《纽约客》杂志颁发的“年度舞者奖”。早年在加州洛杉矶发展的他赢得了许多摇摆舞比赛，其风格经常出现在“赌场花园”和“戴安娜舞厅”，并很快在洛杉矶闻名。1939年，他被邀请为《让我们做音乐》(Let 's Make Music)编舞，随后便陆续为好莱坞的三十多部电影编舞，包括《Hellzapoppin》(1941)、《舞厅》(1941)、《玩伴》(1941)、《骑上牛仔》(1942)、《落基山的春天》(1942)、《永远的伴娘》(1943)、《生活狂欢》(1954)等。

在20世纪50年代和60年代，迪恩曾为洛杉矶地区的大多数舞者和教师教学摇摆舞，并且许多电影名人（如秀兰·邓波儿、罗纳德·考尔曼、塞瑟·罗梅罗等)都是他门下的学生。其在摇摆舞教育方面有着不可磨灭的巨大贡献，另外他还获得1936年舞蹈杂志“年度最佳舞者”奖项，并于1989年入选WSDC摇摆舞名人堂，被誉为“教会好莱坞如何摇摆的舞者”。

杰克·凯里

著名摇摆舞者，曾与众多顶级摇摆舞演员一起在电影《尽情享乐》中演出，在《鲍勃·霍普秀》、《遇见米莉》、《本尼·鲁宾综艺秀》、《埃迪·坎托》、《红骷髅秀》上演出。杰克凯里自1983年开始直至其去世一直担任摇摆舞美国公开赛顾问委员会成员。1990年，和哈尔·塔克一同成为第一批进入加州摇摆舞名人堂的男性。后续还获得了1993年摇摆舞教师协会人道主义奖、1999 年摇摆舞锦标赛(圣克拉拉)“特别贡献奖”、2005年GSDTA“摇摆舞社区服务奖”等诸多荣誉。

菲尔·亚当斯

菲尔·亚当斯教授摇摆舞超过35年，也是国际公认的编舞、评委和主持人。菲尔多年来一直在美国各地参加交谊舞、摇摆舞和乡村舞的比赛。从1990年到2003年，他便成为了一名活跃的杰克和吉尔WCS（World Swing Dance Council-世界摇摆舞委员会）冠军选手。20世纪90年代初，菲尔担任大师舞蹈巡回演出的西海岸摇摆舞代表，在美国各地的乡村/西部舞蹈活动中介绍并教授摇摆舞蹈。之后的时间里，菲尔致力于舞蹈教育领域，担任过加州贝尔弗劳尔的Swingtime舞蹈工作室的老板，还与Mindia Robin共同在南加州的WCS教授交谊舞和乡村舞等。

作为国际知名的舞蹈艺术领军人物，菲尔和他的团队赢得了七次UCWDC世界冠军和一次美国公开赛摇摆舞冠军，包括美国公开赛摇摆舞冠军和五次UCWDC冠军午夜牛仔。后续菲尔还在天使之城、沙漠之城摇摆舞节等活动中担任首席评委以及诸多国际摇摆舞赛事节目的主持人。

价值与影响

艺术价值

摇摆舞作为美国本土优秀的艺术文化形式，为丰富本土音乐舞蹈领域做出了重要贡献。“摇摆时代”为美国培养了一批优秀、先进的摇摆舞表演艺术家和乐队，在美国艺术史上画上了浓墨重彩的一笔。摇摆舞与爵士乐的融合与相互促进也使美国本土文化的融合与发展更进一步，两者也都作为一种文化标志在世界范围内广泛传播，让更多的国家和人民认识和了解美国的文化，走出国门，促进了先进文化交流与传播。对美国国内的人们而言，摇摆舞的发展与传播进一步丰富了他们的娱乐文化生活，提供了一种独具特色的娱乐、社交方式。

摇摆舞作为一种兴起于美国20世纪初期的舞蹈类型，其形成、演变以及发展创新都与摇摆音乐息息相关，音乐艺术与舞蹈艺术的融合推动了这一艺术形式的蓬勃发展。在20世纪的美国，摇摆舞与爵士乐的热潮推进了美国艺术领域的发展进程，为艺术的多元化、创新性发展做出了突出贡献。在“摇摆时代”涌现出诸如弗兰基·曼宁、艾尔·明斯等众多舞蹈艺术家，他们在世界各地的表演和教学也在一定程度上促进了艺术的交流与融合。而在当今社会，摇摆舞作为一种艺术形式，能够为艺术教育和研究提供重要的参考价值，为各国舞蹈艺术的发展起到启示与指导的作用。世界各国国家都出现了摇摆舞社团、舞蹈学校和教育机构等，它逐渐成为多地的重要娱乐方式和休闲运动，深受年轻人的喜爱。摇摆舞远播世界有利于推动世界文化多样性的发展，丰富了其他国家的艺术文化领域，为其他国家人们的娱乐生活提供了新的途径。

美学价值

摇摆舞主要以全脚与地面的碾动与弹动、胯部的左右摇摆为基本特征，随着不同风格的爵士乐舞动，给人以自由、轻松、愉悦、热情的感觉。美洲的摇摆舞离不开爵士乐文化与黑人文化，爵士乐代表反叛，崇尚个性和变化，因此美洲的摇摆舞自由、奔放、活泼，做动作时重心压得极低，看上去像是蹲着跳舞，同时也有高空动作如“空中舞步”“过肩摔”等，空间范围广，追求大开大合的动作幅度。欧洲的社交舞蹈历史悠久，摇摆舞作为社交舞的一类不可避免地融入欧洲传统，因此跳舞时体态更直立，动作优雅、稳重。舞蹈离不开滋养它的环境和文化，地域性与文化差异使各地的摇摆舞都各有特点，不同风格的摇摆舞给人们以多样化的美学与观感体验。