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音乐

音乐

音乐(music)是凭借声波振动而存在、在时间中展现、通过人类的听觉器官而引起各种情绪反应和情感体验的艺术门类。《牛津简明词典》将“音乐”定义为“结合声乐或器乐（或两者）以产生形式之美、和谐和情感表达的艺术”。音乐的基本要素包括强弱、调性、时长、音色等，由这些基本要素相互结合，形成音乐的常用的形式要素，例如：节奏、曲调、和声，力度、速度、调式、曲式、织体等，又可按体裁、形式分为交响曲、协奏曲、室内乐、合唱、歌曲以及丝竹、吹打、嘻哈音乐等。在歌剧、舞剧、戏曲、电影等综合艺术中，音乐是重要的构成因素之一。

音乐的起源可以追溯到史前时期，当人类还没有产生语言时，就已经知道利用声音的高低、强弱等来表达自己的意思和感情了。随着人类劳动的发展，逐渐产生了统一劳动节奏的号子和相互间传递信息的呼喊，这便是最原始的音乐雏形。远古乐器也起源于人们生产劳动的时间，材料多选用石、陶、木、骨等，主要分为打击乐器和吹奏乐器两大类。打击乐器可能是人们在打击石块制造石器或是砍凿木头制作木器时受到声响和节奏的启发而发明的，并因此制成陶钟、石磬、木鼓、陶鼓等。吹奏乐器的起源可能与狩猎时引诱禽兽的拟声工具及口哨有关，以后才逐渐演变成专门用来演奏的乐器，有陶号角、陶埙、骨哨、石哨、骨笛等数种。随着人类社会的进步和文化的交流密切相关，不同的地区和民族形成了各自独特的音乐风格和特点。音乐逐渐地可以分为不同的类型，如古典音乐、乡村音乐、嘻哈音乐、摇滚、电子音乐、蓝调音乐、雷鬼音乐等。音乐的发展受到了科技的影响，如印刷术的发明促进了音乐的传播和保存，近代以来，电力的发展创造了新的音乐媒介，如电影、唱片机、无线广播、电视等，20世纪90年代以后，互联网的出现不仅为音乐提供新的传播媒介，还汇集了音乐创作与出版、教育和评论等等传播形式，在时间和空间上实现了空前的可能性。

音乐具有多种功能，首先，音乐能够给人一种听觉上的愉悦感，能够放松心情，促进身心健康。其次音乐具有教化作用，可以培养人的心灵和智慧，还可以陶情情操，能够使人弃恶扬善，从而使得人们在思想道德上受到洗礼和升华。最后，音乐也是一种具有保护意义和传承意义的非物质文化遗产，因能够保存和展示人类的文化遗产和民族特色，传承和发扬人类的文明和精神而受到了国际社会的重视和保护。

音乐概念

远古音乐大致是一种歌、舞、乐三位一体的音乐形态。很长一段时间内，它们都以这样的综合形式存在着。春秋时期，私塾开始兴盛。孔子兴办私塾是一件教育的大事，其中，作为教育必修科目“六艺”（礼、乐、射、御、书、数）之一的“乐”，就是这种混生性的艺术活动。第一次出现音乐这个词是在《吕氏春秋·仲夏记》中，前文先说：“音乐之所由来者远矣:“生于度量,本于太一。太一出两仪 ,两仪出阴阳;阴阳变化,一上一下,合成乐章”，表示音乐最早出现的意义是因为人的音乐听觉特质是一种先天的自然产物。后文再说： “萌芽始震，凝寒似形。形体有处，莫不有声。声出于和，和出于适。先王定乐，由此而生。说明“乐”最初的含义是和谐的，协调，同时认为人的音乐听觉特质是产生于人对声音的适应性作用此后，“音乐”一词逐渐取代原先“音”一词的地位，用以指称音乐这一艺术门类；而“音”一词的含义则逐渐变窄，仅指有确定音高的乐音（例如“五音”）。到后来，“乐”一词才作为“音乐”一词的简称而用来指称音乐。

在西方国家，“music”一词起源于希腊文的“mousike（techne）”，含义为“technology of the Muses”，表示“献给智慧女神缪斯的艺术”。Mousike在古希腊不单指音乐，而是包括人文领域的多个分支，如舞蹈、诗歌、演唱、乐器演奏等，以及各类文化与智力活动。在欧洲，拉丁文中的音乐一词“Musica”，也是起源于希腊神话女神缪斯的名字，此外，来自古法语 musique “音乐艺术”，还包括诗歌（也是西班牙语 musica 、意大利语 musica 、古语的来源高地德语 mosica 、德语 Musik 、荷兰语 muziek 、丹麦语 musik ）、源自希腊语 mousikē (technē) “（艺术）缪斯女神”，来自 fem。 mousikos “关于缪斯的；音乐的；受过教育的”。如果要在现在的英文中寻找一个词对应mousike的话，最合适的词应该是人文科学概论。对music具有现代意义的更狭义地使用出现后，music便只指代唱歌与乐器演奏，或与旋律相关的艺术形式。但“音乐”一词的具体含义，实际上到了今天依然在发生变化。

历史发展

起源

音乐的起源可以追溯到远古时代。在还没有产生语言时，人类已能在自然中探索高低、强弱等声音，以互相表达真情实感。人类在劳动生产的过程中，自然而然地产生了号子、口号等音乐元素。音乐形式从这些音乐元素开始有了萌芽。人们通过敲打石器、木器等各类器材以表达喜怒哀乐的情绪，而这些器材便是远古乐器的雏形。关于音乐起源的争论，由来已久，目前学界各执一词，不同流派都能找到似乎合理的依据，大致有以下几种：

巫术起源说：“ 古代人民的特定环境以及特定意识形态决定了他们对各种无法解释的自然现象会产生一种精神寄托。”对此，古代文献多有记载，《吕氏春秋·古乐》中的“昔古朱襄氏之治天下也，多风而阳气蓄积，万物散解，果实不成，故士达作为五弦瑟，以来阴气，以定群生”表明远古先民希望用五弦琴求阴气，以安定人民的生活。对此，中外学者也有一些不同的评价，王国维对歌舞与巫术的关系做出了诠释：“歌舞之兴，其始于古之巫乎？”法国音乐学家孔百流也主张：“音乐是在原始巫术中产生的。

感情说：从彩陶舞蹈纹盆上所画的拉手跳舞的先民来看，远古的人们对情感的需求是存在的，对此，《史记》也指出：“ 凡音之起，由人心生也。....乐者，音之所由生也，基本在于人新感于物也”。《吕氏春秋·音初篇》记载了四段民俗音乐起源的传说，都说明音乐是人类抒发感情的方式。

模拟自然说：古代先民听到自然界的很多声音，然后模仿其中的一些来创作音乐，此学说的代表人物英国音乐出版家克罗威斯特认为，人类从这些自然的音响中得出灵感，因而创造了音乐。

异性求爱说：英国生物学家查尔斯·达尔文曾提到，音乐与鸟鸣声有直接关系。他认为动物之间的一种求偶方式是通过声音来体现的。为了引起异性的关注，各类动物争相发出优美的声音，尤其鸟类求偶时发出的声音通常被认为是最有美感的，因为它们的声音极富歌唱性，它们的叫声包含有一些音乐的元素，如节奏、音高等。

语言抑扬说：法国思想家让-雅克·卢梭认为人类在感情激动的时候产生的昂扬语调就是歌曲，人们的感情往往在情绪起伏中容易传达出一些不同的音高起伏的声音线条。因此，音乐在这样的背景下孕育也被认为是形成音乐的必要条件。

信号说：德国学者修顿普佛曾提出，音乐起源于人类的彼此呼应。人们的生产生活中实践出来的一种方式就是彼此的呼应，如由于陕北地区农村地区特殊的地域特征，为了传达信息，人们往往通过扩音器一样的手型来呐喊。

劳动说：恩格斯曾说：“劳动创造了人类本身。”音乐作为来源于生活的艺术形态，起源于劳动是当今学界的共识。人们的生产生活过程产生了节奏。比如，人们必须要有统一的节奏感才能协调地进行拉纤这项劳动。对以上的说法，古籍也有记载印证。刘安的《淮南子·道应训》中的“今夫举大木者，前呼‘邪许’，”后亦应之。此举重劝力之歌也”被专家学者认为是我国第一首劳动号子。

关于音乐的起源还有一些学说，如太一说、个人创作说等都在某个层面上道出了音乐起源的方式。总结起来，劳动说的音乐起源方式为当下学界的共识。

世界音乐史

古代音乐

最早的乐器是嗓子和双手（双手击掌强调了歌唱的节奏），以后有管乐器（起先只是简单的传声筒，后来很快发展为小号、长笛和双簧管），最后才是弦乐器（它们共同始祖就是狩猎用的弓）。人们曾在迦乐底发现一架古竖琴，它产生的年代可能要追溯到公元前三十世纪。

古西亚大约在公元前3000年就已出现弦乐器——弓形竖琴，其后又派生出多种形制，琴弦也由5根发展到15根不等。同时，另一种弦乐器“里拉”也出现了，是古希腊里拉的前身，在U型框架上张7～11弦，饰以牛首，置于膝上双手弹奏。还有横笛、竖笛、号、双簧管、双笛、各种鼓（如锅状鼓、鼓）、哗啷棒、拍子板等乐器。从古文字记载中可以看到当时的音乐以声乐为主，有颂扬神和民族英雄的赞歌，也有一般的歌曲，均用乐器伴奏。这时期还产生了职业音乐家（分为几个等级），活动于庙堂祭祀或宫廷、贵族的宴之上。

上溯至公元前3000年的古埃及，在金字塔（陵墓）内的壁画、雕刻和出土文物中，可知其已使用多种乐器。主要乐器有西斯特鲁姆（一种金属叉，是宗教的象征）；有阿夫路斯状的两根笛——双笛；琵琶型的弦乐器，上张6～12根弦的弦乐器。在出土的莎草纸文书中还载有音乐演出活动的情况。

为数不多的已知最早的音乐作品之一是几十年前出土的。它被称为《胡里安歌曲》，是刻在楔形文字泥板上的音乐合集，其历史可以追溯到公元前 1400 年左右。胡里安赞美诗显然是一首宗教歌曲。人们唱这首歌是为了祈求尼卡尔将她的生育能力赐予那些无法生育的妇女。

而最早乐器的制作方式则是在长笛上钻孔，例如：2008年，在德国西南部霍赫勒·菲尔斯（Hohle Fels）洞中发掘出35000年前由兀鹫的桡骨制成的骨笛，这只骨笛由12块散落的秃鹰骨雕成的部件组成，蒂宾根大学考古学家尼古拉斯·康纳德称这是世界上最古老的手工乐器，是研究欧洲早期现代人文明的重要材料。

在古代，中国、印度、埃及和希腊人就早已习用七声阶，只不过在音程的处理方式上则各有差异。

欧洲音乐史

希腊音乐

在古希腊，音乐已经融入了古希腊人的社会生活中，比如：在某些隆重的节庆仪式上，著名的在古希腊音乐琴手会举办大型的公开比赛会，在全城人都参加的正式典礼和公众的节日中，总会是上演于音乐戏剧。此外，古希腊人将各种美德都归功于音乐，他们的哲学家已经非常细致地确定了每个调式的表情意义或者精神特征。

在这一时期，古希腊主要使用的乐器有：竖琴和基他拉琴（在很长时间了它们一直都是七根弦），奥洛斯（乃依）和西灵克斯（潘神排箫）。此刻，奥洛斯独奏的演技在古希腊就已是十分发达的艺术，其他拉琴的独奏技艺也已开始风行，尽管器乐流行，但最初的希腊音乐却以声乐为主，例如描述阿波罗杀巨蟒的《巨蟒曲》

在公元前4世纪左右得到很大发展的悲剧艺术中，我们可以看到悲剧合唱中的酒神颂、日神颂以及饮酒歌所反馈的一些当时的音乐形式。在希腊化时期，乐理也相当发达。如毕达哥拉斯（约公元前580年～约公元前500年）的弦长比例理论，音乐与天体和万物的运动是谐和的同样，也存在数的关系。再如柏拉图（约公元前428年～公元前322年）、亚里士多德（约公元前384年～约公元前322年）等人倡导的音乐的道德感化作用，认为音乐对人的心灵、性格的完善有显著影响，反对衡量音乐艺术的尺度是娱乐，指出应将音乐列入青年的教育课程里等。

古希腊音乐已采用字母记谱，但无节奏标记。

中罗马音乐

古罗马音乐文化主要来自古希腊、巴比伦、埃及、叙利亚、西班牙等地，但却失去希腊文化全民的、健康清新的性质。古罗马音乐崇尚娱乐性，拥有庞大的歌队和乐队，军队中用以炫耀军威，宫廷贵族们用以炫耀权势或将音乐沦为纯娱乐的工具。在民间，伴有歌唱和喧闹的乐队伴奏的假面即兴滑稽戏和独舞哑剧也获得发展，演出于露天。之所以如此，与统治阶级对有民主倾向的文艺进行镇压有关，在公元前450年公布的《十二铜表法》中就有处死编造或歌唱含有诽谤或侮辱他人的歌词的人的条律。

由于罗马崇尚武艺，常年征战，所以铜管乐器相当发达，常见乐器有大号（Tuba)和角号（Cortu），以及用于剧场和家庭的水压管风琴（Hydraulis），因为罗马帝国商业繁华，各国音乐家移居罗马古城谋生，也带来了各国的乐器，如东方的直角、竖琴、长颈鲁特琴，还有打击乐器边鼓、铃鼓和青铜等。

罗马人最喜欢的音乐艺术品种为笑剧和哑剧，笑剧的娱乐性很强但趣味不高，甚至近乎猥亵，哑剧士一种表现神话故事的戏剧舞蹈，由合唱队和阿夫洛丝管伴唱和伴奏。除此之外，罗马帝国另一种代表性的音乐品种是军乐，罗马军团的每一种军令都可以用军号发布，不用的命令要用不同的军号来吹奏。

基督教音乐

4世纪初，随着罗马帝国的国力衰弱，基督教在罗马内部迅速崛起，此时，教会将音乐当作传播信仰的工具，音乐也因此成为礼拜仪式的重要组成部分，到了5世纪上半叶，教皇利奥一世将一年中所应用的仪式、祷文、经文和圣咏合编成《利奥圣礼书》，这也是最早的罗马圣礼书之一。在另外一个基督教音乐发展中心米兰，主教安布罗斯为了防止信徒们因由于过度而精神沮丧，安布罗斯开始在礼拜仪式中加入咏唱赞美诗和用交替合唱的方式来演唱圣经诗篇。因此他创立了著名的安布罗斯赞美诗体，所作的赞美诗《永恒的造物主》至今仍是罗马教会日课仪式的必唱曲目。

此时的基督教提倡纯声乐的仪式音乐，竭力反对在礼拜过程中使用乐器。

中世纪音乐

中世纪音乐开始于西罗马帝国灭亡的公元前476年。在罗马教皇软弱无力、西方世界四分五裂的情况下，罗马教会所属各地区的礼拜仪式和圣咏音乐也各自发展，形成具有区域特征的风格与派别。比较突出的是法兰克王国的高卢圣咏，西班牙境内的莫萨拉比克圣咏，米兰的安布罗斯圣咏。

11世纪下半叶到13世纪，一方面基督教音乐继续发展，形成哥特式风格，与此同时，以骑士音乐为代表的世俗音乐也十分兴盛，比如：法国游吟诗人，德国的恋诗歌手，此时的歌曲多为单声部的分节歌。此外，中世纪又是多种音乐风格并存发展的时期，既有单声部音乐，又有复调声乐，既有世俗音乐又有基督教音乐的传统。

随着音乐实践内容的日益丰富，教会音乐理论也迅速发展，除了教会调式体系外，奥多在935年提出完整的字母音名体系，圭多发明沿用至今的唱名法；记谱法也从文字谱、纽姆谱到线谱。大约1260年，弗朗科确立了有量记谱法，解决自古以来无法解决的记录音符时值得问题。

在乐器方面，基督教教会也不再反对使用乐器，管风琴迅速发展，与此同时，用于世俗音乐得乐器有弓弦乐器、拨弦乐器和管乐器。例如：维埃尔琴（Vielle)、轮擦提琴（organstrum,hurdy-guidy)、竖琴（harp)索尔特里琴（psalter)、鲁特琴（lute)和吉他（guiter)。

文艺复兴音乐

文艺复兴是从14世纪起在意大利兴起，从15世纪后期逐渐扩展到整个欧洲，并于16世纪达到鼎盛的一场波澜壮阔的思想文化运动。整个文艺复兴时期的音乐生活和音乐风格都有很大的变化。勃艮第公国因并入法国，因此形成了佛兰德乐派。随着宗教改革运动的发展，教会音乐分裂成天主教和新教，宗教音乐中的民族因素和世俗因素增强。专业音乐家和业余音乐爱好者的人数不断增加，因此乐谱的需求量也随之增长。1501年，威尼斯商人彼得齐出版了第一本用活字印刷术制作的复调声乐曲集《歌曲100首》，到1523年时，由他出版的乐谱已达50余种。

此时的音乐作品开始运用音阶种所有的半音，和声的纵向结构以三和弦及六和弦为主，低音开始具备和声功能的作用。声乐作品以四个或四个以上的声部为主，有复调和主调两种声部组合方式。16世纪中叶出现了“专用音乐”（Musica Resevata)这种名词。同时，文艺复兴时期也开始形成以相同音色为美的观念。由于音乐实践的要求，16世纪键盘乐器的乐谱首先使用了小节线。约在16世纪末，随着创作方法改为同步构思，作曲家们就开始采用总谱写作了，与此同时，各种总谱也开始使用小节线。

在乐器方面，文艺复兴至巴洛克时期的常用乐器，有键盘乐器，弓弦乐器和管乐器。如：管风琴、鱼管建琴、维吉那琴、楔建琴、单簧管、肖姆双簧管、木管号、长号、小号。

巴洛克音乐

音乐史上通常将1600年（歌剧诞生）至1750年（约翰·塞巴斯蒂安·巴赫去世）这1500年称作为巴罗克时期。巴罗克时期的音乐家是手艺人，服务于教堂、宫廷和自由城市，这种雇佣关系一方面约束了音乐家的创造，另一方面音乐加了解听众的趣味和演奏者的技能以及音乐的实际效果。此时的音乐都成为“功能性音乐”。

歌剧的诞生和器乐曲的发展标着巴罗克时期新风格的确立；声乐和器乐作为音乐的两大分支开始了相互补充、互相影响的独立发展；复调音乐风格逐渐向主调音乐风格转移；教会调式逐渐被大小调式代替；数字低音的运用引起了和声学的新概念；大量新的音乐体裁不断涌现。

在器乐方面，整个巴罗克时期基本沿用乐文艺复兴时期的键盘乐器，即管风琴和古钢琴（包括羽管键琴和楔棰键琴），但乐器制造业有了很大的发展。直到1800年，古钢琴才完全失宠。与此同时，维奥尔族乐器与提琴乐器也一并存在。

在这一时期的代表作品为：约翰·塞巴斯蒂安·巴赫创作的《勃兰登堡协奏曲》共包括6首协奏曲。除此之外，还有《马太受难乐》《约翰受难乐》《B小调弥撒》以及200多首康塔塔。格奥尔格·亨德尔是与巴赫同为此时期代表人物。他的作品包括《阿尔西那》《奥兰多》等46部歌剧及《弥赛亚》《扫罗》《参孙》等32部清唱剧。

古典主义音乐

18世纪中、下叶，欧洲社会发生乐深刻的变革，音乐是贵族们生活享受的重要内容，宫廷和沙龙仍是音乐活动的中心。大型作品，特别是歌剧，为庆典和款待宾客；小型器乐演奏和歌唱供自娱，王公贵族们是艺术的资助人，大小君主都雇有音乐家。到18世纪下半叶，音乐艺术的欣赏者不再局限于上层，新崛起的中产阶级涌向剧场和音乐厅，提出了新的文化需求，为了迎合他们的口味，来自民间的各类歌剧日益兴盛，各地的音乐会演出频繁。出版业空前发达，家庭用的简单通俗的器乐小曲和带键盘乐器伴奏的歌曲占很大数量。进入音乐厅的有文化听众，也是报刊杂志的读者，所刊载的音乐评论引导了观众的趣味，也促进了音乐会演出的繁荣景象。这一阶段的音乐观念和音乐风格也有了明显的两重性。贵族们崇尚优美典雅和精雕细琢的艺术趣味，启蒙主义“返回自然”的思想则要求音乐质朴和平民化。

作为一个历史时期，古典音乐的特征是；大小调体系已得到充分发展；主调织体成分，低音及和声仅起伴奏作用；旋律结构已不用同于巴罗克时期的流态运动，常常是方整的；同时，节奏也形成了周期性结构，主题的动机式发展，力度较强和减弱的细致安排等等，都是古典主义时期常见的音乐词汇。在声乐音乐领域，产生了体现艺术大众化的喜歌剧和艺术歌曲；在器乐音乐领域，包含对比主题，反映矛盾冲突、富于动力性的奏鸣曲式成为最重要的形式结构。基于奏鸣曲式的交响曲、协奏曲、奏鸣曲和室内乐等体裁从萌芽走向了成熟定型。

启蒙运动和理性主义促进了知识的系统化。在法国，让-雅克·卢梭编著了“音乐辞典”；在德国，对乐理有更广泛的兴趣不单出办了关于演奏的论著，如框茨（J.Quantz)《论长笛演奏的教学》，埃玛纽尔.巴赫（C.P.E. Bach,1714-1788) 《键盘乐器的正确演奏法》，还有马尔普尔格（F.Maepurg)马特松（J.Mattheson)等人写的一系列关于音乐史、音乐评价、音乐美学等方面的著作。

这一时期的代表作品为：弗朗茨·海顿的《G大调第九十四交响曲》《时钟交响曲》，清唱剧《创世纪》和《皇帝四重奏》等。沃尔夫冈·莫扎特的歌剧《唐•璜》《魔笛》等。此外，路德维希·范·贝多芬的《第三交响曲（英雄）》《第五交响曲（命运）》《降E大调第五钢琴协奏曲》，钢琴奏鸣曲《悲怆》《月光》《热情》。弗朗茨·舒伯特的《野玫瑰》《魔王》，《未完成交响曲》，《死神与少女》四重奏，《鳟鱼》五重奏，声乐套曲《美丽的磨坊姑娘》《冬之旅》等。

浪漫主义音乐

19世纪开始，音乐中的浪漫主义因素占据重要地位，音乐史上将这一百余年称为浪漫主义时期，整个19世纪充满着自由与压迫、逻辑与感情、科学与宗教信仰等种种矛盾。在此背景下发展的浪漫主义音乐，呈现出复杂的样貌。首先，音乐家在路德维希·范·贝多芬的影响下走上了 “自由” 的道路，音乐家的地位从奴仆一跃成为时代的先导。音乐也朝着技艺高超和富丽堂皇的方向走去，促进了作曲技法和演奏技巧的发展。同时，音乐家们又深感很少能找到理想的听众而与心是的距离愈来愈远，凭借 “内在的冲动” 创作，自我表白和亲密交谈也恰恰在这一时代最为流行。

浪漫主义时期的音乐风格对于古典主义来说，既沿用乐调式体系、和声体系、节奏及曲式规范等基本相同，又在音乐体裁形式和音乐语言方面做出新的发展创造，如旋律的抒情性加强，乐句结构的伸缩性也变大。19世纪初，各国钢琴制造假对现代钢琴作了进一步改进，这一时期钢琴是颇受欢迎的乐器。18-19世纪之交，钢琴音乐形成了两种不同的演奏风格，一直是以约翰·胡梅尔（Hummel)为代表，突出织体的清晰与技术的流利；另一种主要由路德维希·范·贝多芬体现，强调丰满的音色，大幅度的力度变化，管弦乐般的效果和戏剧性的力量浪漫主义音乐依旧沿用了这两种风格。19世纪的钢琴音乐仍然采用奏鸣曲、回旋曲、变奏曲、幻想曲、赋格等传统体裁以及舞曲和改编曲，但更具浪漫主义特征的是各种特性乐曲和标题小曲。

在这一时期，为宗教仪式写的合唱音乐已经非常少。作曲家们仍采用弥撒曲、安魂曲、清唱曲等体裁。如门德尔松德清唱剧《伊利亚》威尔第《安魂曲》等。

这一时期的代表作品为；罗伯特·舒曼的钢琴曲《蝴蝶》《狂欢节》等，声乐套曲《妇女的爱情和生活》《诗人之恋》，艺术歌曲《月夜》《奉献》等。艾克托尔·柏辽兹的《幻想交响曲》《罗密欧与朱丽叶》《浮士德的沉沦》等。弗朗茨·李斯特的交响诗《塔索》《前奏曲》，钢琴音乐《匈牙利》等。弗雷德里克·肖邦的《玛祖卡》《波罗奈兹》《夜曲》《前奏曲》《谐谑曲》《叙事曲》等。

20及21世纪欧洲音乐

19世纪末，沉重的压力激发了年轻一代音乐家对瓦格纳乃至对浪漫主义的反叛，反对极端主观性和无限的夸大，反对感情的极度外溢和自欺欺人的理想。世纪之交，在法国，阿希尔-克劳德·德彪西采用一种较为内省和抑郁的语汇，形成 “印象派 ”的音乐风格。大约到1920年，西方音乐明显形成要求丰富音乐语言和要求革新音乐语言两种倾向，出现了关于音乐创作不同的美学见解。有的艺术家保持了19世纪将音乐作为个人表现的观念，认为自己的创作时古典传统的延续；另一些作曲家出于对旧世界的反叛和对新音乐的探索，否定音乐的“表现”功能，他们的创作以形式主义的面貌出现。新颖独创、与众不同，成了他们评判音乐的标准，此外，不少音乐认为艺术家应该社会责任感，为广大人民群众写作。

20年代以后的西方音乐出现了流派纷呈、风格各异的现象。在总结战前的种种实验成果，并加以巩固和发展的同时，也重视对传统资源的开拓利用。阿诺尔德·勋伯格和他的弟子阿尔班·贝尔格、安东·冯·韦伯恩在表现主义音乐中竭力施展无调性的十二音音乐技法，音色旋律”的理论发展成把音色作为结构的手段。埃德加·瓦雷兹、奥利维埃·梅西安等人把阿希尔-克劳德·德彪西对色彩的兴趣和探索，发展成引人噪音和开发新音源的 “色彩主义”。民族主义在两次大战之间形成更大的潮流，20世纪的民族主义音乐，让古老的民俗音乐以棱角分明的形态与现代专业音乐创作并存一体，愈来愈多的作曲家认识到需要用民间和外来音乐赋予现代音乐以新的活力，所有正义的音乐家，包括曾明确反对艺术与政治相关联的人，都站到了反抗暴政、保卫祖国和捍卫自由的行列，他们所写的这类作品，是20世纪音乐中不可忽视的篇章。此时，在不少西方作曲家身上还可明显地看到创作风格的不断更迭，以及既写实验性作品，又用传统或通俗简朴手法写作的特点。50年代初开始，实验性的倾向重新占据重要地位。比较集中地反映为绝对的控制与彻底的自由两种类型。

50年代末，以鲁托斯拉大斯基和克里斯托弗·潘德列茨基为代表德”波兰乐派“（Polish School)和其他东欧作曲家又对“音簇”这种手法进行了新的发展，这种将静止的、具有粗糙打击乐效果的音簇流动起来，变成“音块”“音带”“音团”，将其称作 “唯音音乐”。此外，随着新的音响资源开拓波及到人声领域，也开辟了另一条音乐道路-电子音乐，60年代初起，电子合成器开始在一些电子音乐室中出现，为电子音乐现场演奏提供了更大的可能，例如施托克豪的《麦克风之一》。进入60年代后，作曲家的音乐观念发生了很大观念，与文化界所谓 “后现代主义”的观念保持了更多联系，由此西方音乐进入了“后序列时代”。

这一时期的代表作品为：阿希尔-克劳德·德彪西的管弦乐《牧神午后前奏曲》《夜曲三首》《大海》，钢琴作品《版画集》《意象集》《24首钢琴前奏曲》和歌剧《佩里亚斯与梅丽桑德》。此外，他创作的交响诗《牧神午后》，被认为是印象主义音乐的开山之作。阿诺尔德·勋伯格是德奥表现主义音乐的代表人物，他的代表作品有独幕歌剧《期待》《月光下的皮埃罗》，十二音作品《乐队变奏曲》《华沙幸存者》以及歌剧《摩西与亚伦》。

美国音乐史

美国音乐史是一幅丰富而多样的画卷。它是由广泛的文化影响和传统编织而成的。美国的音乐反映了许多民族和文化的融合，使这个国家成为今天的样子。美国最早的音乐形式之一是美洲原住民部落的传统音乐。这是几千年来代代相传的。这种音乐主要是声乐，一些部落也使用鼓、笛子和拨浪鼓等乐器。随着欧洲殖民者的到来，新的音乐传统被引入美国。新音乐包括合唱音乐、民俗音乐和古典音乐。非洲奴隶为美国带来了丰富的音乐遗产，包括灵歌和工作歌曲以及传统的非洲节奏和旋律。

美国音乐在专业音乐方面仍然遵循着欧洲的标准和模式，几乎所有的作曲家，都曾经在欧洲进行过学习，因此音乐虽有着美国特有的表达方式，但仍然深受欧洲音乐的影响。19世纪末，Emile Berliner 创建⼀家公司来⽣产他的设备的平板唱片以此来大批量地记录声音，促进了流行歌剧的传播，随着美国版权法的加强，引发了⾳乐制作的繁荣。这激发了流⾏⾳乐趋势的转变，从歌剧到歌舞杂耍和拉格泰姆等流派。20 年代，平板唱片在流行音乐行业的主导地位受到电子录音的出现和广播的快速发展的威胁。在此期间，新奥尔良爵士乐开始兴起，它是是一种以器乐为主的即兴音乐形式，融合了多种风格，包括非洲节奏、福音音乐和布鲁斯音乐，而布鲁斯也为摇滚的产生奠定了基础。

第二次世界大战后，美国社会环境发生变革，严峻的社会现实让很多音乐家认为音乐应该承担社会责任，让音乐作品有益于人民的生活。也因此，多数作曲家的技术手法基本上保持了新古典主义，传统的体裁却变成新的，具体地方色彩的音乐的载体。交响曲也开始繁荣。第二次世界大战使许多延续千年的西方传统价值观念发生了动摇，大批欧洲作曲家为躲避战争和纳粹的迫害纷纷移居此地，也因此，美国成了现代音乐发展的一个重要的中心。

战后新音乐的发展就是从对十二音指法的发现起步的，许多作曲家探索这种技法在音乐表现多样化的可能性。新一代的作曲家从安东·冯·韦伯恩的音乐中受到启发，从中找到一种彻底能够摆脱传统音乐观念的束缚，开辟出一种完全 ”现代“的音乐。由此，” 整体序列主义“或”全面序列主义“的音乐开始盛行起来。50年代中期以后，整体序列音乐开始衰落，美国的作曲家则完全放弃了对音乐参数的控制，从另一个极端对传统音乐观念进行乐更为彻底的瓦解，开创出 “偶然音乐“的新潮流。到了50年代末，一种更为激进的以 ”音簇“为基础的音乐开始萌芽。

20 年代到 1950 年代被认为是广播的黄金时代，也促进了各地区的乡村音乐在美国流传起来。20世纪50年代的电视为⾳乐传播提供了⼀种新的媒介，通过视觉伴随着⾳乐的表演，吸引观众。

这个时期，摇滚音乐兴起，成为美国流行文化的一个决定性特征。披头士乐队乐队（the Beatles）、埃尔维斯·皮礼士利（Elvis Presley）和那个时代的其他标志性音乐家帮助摇滚成为一种主要的文化力量。这种流派至今仍然是一种流行的音乐形式。灵魂⾳乐也在这⼀时期蓬勃发展，出现了詹姆斯·布朗等传奇⼈物艾瑞莎·弗兰克林 (Aretha Franklin) 运⽤爵⼠乐和布鲁斯元素来表达当代⽣活⾮裔美国⼈的情况和⾯临的问题。随着⺠间⾳乐所解决的⼀些问题消失或减轻，20 世纪 70 年代⻅证了⾳乐从关注更⼤社会的福祉向关注福祉的转变的开始个⼈的存在和需求。华丽摇滚兴起，本质上具有明显的个⼈主义⾊彩；它是伴随的个⼈⻛格强调华丽和个性。20 世纪 80 年代，黑人为了表达对美国社会不满，开创了嘻哈⾳乐这⼀流派，用一种新的形式来表达对这个社会的愤怒。

非洲音乐史

非洲音乐的历史就像非洲大陆本身一样多样化和复杂。数千年来，非洲音乐受到许多不同文化和传统的影响。早期的非洲音乐主要是声乐，不同部落和地区使用许多不同的风格和技巧。鼓等节奏打击乐器也很常见。这些乐器的使用通常与宗教或仪式活动有关。一般来说，非洲的音乐极其多样化，每个地区都有独特的风格和传统。比如，北非的音乐受到土著柏柏尔人以及阿拉伯、伊斯兰教和安达卢西亚文化的影响。传统乐器包括乌德琴、卡努琴和尼琴。如今，北非音乐融合了传统和现代元素，raï、chaabi 和 gnawa 等流派很受欢迎。

而西非音乐的特点是复杂的节奏和使用非洲鼓、科拉鼓和巴拉丰等传统乐器。它拥有丰富的历史，可以追溯到马里帝国等古代帝国，在那里，格里奥特（口述历史学家和音乐家）在通过音乐保存文化方面发挥了重要作用。

中非的音乐多种多样，融合了本土和外来的影响。中非的俾格米人以其独特的音乐风格而闻名。他们的风格特点是复杂的复调声乐以及 mvet 和 ngombi 等乐器的使用。

东非音乐的特点是使用节奏模式和呼应唱法。居住在东非海岸的斯瓦希里人的传统音乐受到阿拉伯、印度和欧洲文化的影响。塔拉布 (Taarab) 和邦戈弗拉瓦 (Bongo Flava) 是该地区流行的当代流派。南部非洲的音乐受到土著桑人和科伊科伊人以及欧洲殖民影响的影响。传统乐器包括姆比拉琴、马林巴琴和南非口弓。mbaqanga kwela 和 kwaito 等流派近年来越来越受欢迎。

基本上，随着非洲文化开始与外部影响相互作用，新的乐器和音乐风格被引入。阿拉伯商人带来了乌德琴和其他弦乐器，这些乐器被改编并融入非洲音乐中。同样，欧洲殖民者带来了钢琴、小提琴、吉他等西方乐器，这些乐器也融入了非洲音乐。20 世纪，随着高调生活和非洲音乐等流行音乐流派的兴起，非洲音乐发生了重大转变。在 20 世纪 60 年代和 1970 年代，非洲流行音乐开始融合艺术摇滚、放克和灵魂乐元素，产生一种独特的声音，被称为“非洲摇滚”。而且，在这一时期，非洲音乐家开始创造自己独特的音乐风格，例如Afrobeat、Soukous、Highlife等。这些风格受到传统非洲音乐和西方流派的影响，并且经常将政治和社会评论纳入歌词中。如今，非洲音乐继续发展和变化，艺术家们汲取了广泛的影响和传统。许多非洲音乐家获得了国际认可，非洲音乐对世界各地的流行音乐产生了重大影响。

印度音乐史

印度学者指出：“印度音乐或许是世界上最古老的一种，同时它本质上也属于一种重要旋律性音乐体系。印度古典音乐起源于雅利安人宗教仪式的《吠陀》赞诗，印度音乐史上所谓的“吠陀赞歌时期”，约在公元前16世纪～公元前4世纪之间。四大吠陀都对对音乐有相当篇幅的描述。

公元 14—15 世纪，是北印度音乐、南印度音乐分野的时期。两个古典音乐体系逐渐形成：卡纳塔克邦体系（北印度音乐体系）和印度斯坦体系（南印度音乐体系）。北印度音乐和南印度音乐各有特色，其中的北印度音乐至少具有20种特点。

20世纪以来，印度古典（古代）音乐在东西文化交融的大背景下非但没有消亡，反而还流传到欧洲、美洲甚至是中国、日本、东南亚和南亚国家。这彰显了印度古典音乐的浓烈魅力和强大的生命力。

“印度音乐是调式音乐高度发展和最完全的形式……西方音乐是没有微分音的音乐，印度音乐则是没有和音的音乐。在概念和类型上，西方音乐强有力而发达的和音体系，与印度的旋律音乐正好相反。和音是今日西方音乐必不可少的一部分，致使欧洲人认为难于想象有一种只以旋律为基础的音乐。另一方面，印度人多少世纪却一直沉浸在纯旋律音乐传统之中，以致虽然听了西方音乐，却无法找到和音结构下的旋律线。

随着时间的推移，随着古典音乐传统的发展，音乐成为印度文化的重要组成部分，印度古典音乐是一种复杂而复杂的艺术形式，包括多种风格，例如印度斯坦音乐和卡纳提克音乐。西塔琴、塔布拉琴和萨罗德琴是印度古典音乐中最具代表性的乐器。这些传统至今仍然存在并蓬勃发展，印度音乐对世界各地许多不同音乐流派产生了重大影响。

中国音乐史

远古音乐

中国最悠久的音乐历史可追溯到新石器时代，1986—1987年先后在舞阳县贾湖发现18支7音孔、8音孔的骨笛,其中保存完整的可吹出各种曲调，根据碳同位素14C的测定和树年轮矫正,测定骨笛距今约有7920(±150)年。这是目前我国音乐文化可追溯的最早年代，从舞阳骨笛可以看出,古人不仅掌握了在猛禽的肢骨上钻孔造器的工艺,而且他们对于六声、七声音阶的把握和对于音律构成等问题的认识水平已比较高。此外，各地大量出土的陶钟、陶铃、石磬、陶鼓等也大大丰富了我国可考音乐历史的内容,因此,我们可以有根据地说,我国音乐文化约有8000年的可考历史。

原始时期的音乐和舞蹈密不可分，乐”仍既可以指舞蹈，也可以指音乐，原始时期，乐舞并不成其为社会分工对象，原始社会不存在专职的乐工，乐舞一般是部落社会的全社会活动。因此，原始时期的乐舞，并没有以专门的艺术形式的面貌和身份，从社会上独立出来。

夏商周时期

大约公元前 21 世纪夏朝建立以后，乐舞才真正作为一种社会分工，从社会中独立出来。夏代初期的国君启和最后的国君桀，都曾用大规模乐舞供自己享乐，这正是乐舞作为艺术而独立于社会的标志。而到了商代，音乐最大的作用则是用以祭祀，商人以音乐与神鬼对话，是认认真真唱给神鬼听的。乐舞成为人们进献、事奉、娱乐神鬼，以使人神沟通的重要手段。

周代礼乐制度始于西周公国时期，是西周公国统治者用音乐作为礼法手段来辅助治理国家的一种典章制度。有关具体音乐形式的规定也十分严格，如各类典礼使用不同的曲目，甚至调式。体裁形式也有歌舞、声乐和器乐几个不同的部分。在一定程度上，它有利于稳固周代的统治，礼不下庶人” 是其中一条重要规定。当时的乐舞只有百姓以上的人才能享用到，并且有非常严格的规定。此外，周代还建立了世界上最早、规模最大的音乐教育与音乐表演机构。其培养对象为王公贵族子弟和民间优秀青年，主要教授他们乐德（音乐的德行和目的）、乐语（音乐表现形式、技能）、乐舞（六代之乐）。王公贵族子弟学习礼乐不一定是为了表演，只是为了习得礼乐治国之道。

春秋战国时期

公元前1046年，周朝建议，因为周代有采风制度，收集民俗音乐，以观风俗、察民情。赖此保留了大量民歌，经孔子删订，形成了中国第一部诗歌总集《诗经》。它收有自西周公国初到春秋中叶500多年的入乐诗歌共305篇。《诗经》中诗的分类，有“四始六义”之说。“四始”指《风》、《大雅》、《小雅》、《颂》的四篇列首位的诗。“六义”则指“风、雅、颂，赋、比、兴”。“风、雅、颂”是按音乐的不同对《诗经》的分类，“赋、比、兴”是《诗经》的表现手法。歌曲尾部的高潮部分，已有专门的名称“乱”。

《诗经》成书前后，屈原所编写的《九歌》将原为楚国民间祭神时的演唱和表演改编与加工，写成格调高雅的诗歌，具有浓重的楚文化特征。

1978年出土的曾侯乙墓里8种124件乐器，包括重要的曾侯乙编钟、曾侯乙编等，提供大量当时宫廷音乐的资料，包括乐器制式、演奏编制、十二律的理论、音名、旋宫法等。

《管子‧地员篇》所记载的“三分损益法”所生产的自然律能发出自然泛音，这是史籍可见的中国古代最早的生律法。该方法用数学计算的原理阐释了五声音阶的生成过程，即通过一根管或弦增减三分之一而求出五声音阶的各音。

这个时期出现了中国十大名曲之一的《高山流水》，传说先秦的琴师伯牙一次在荒山野地弹琴，樵夫锺子期竟能领会这是描绘“峨峨兮若泰山”和“洋洋兮若江河”。伯牙惊道：“善哉，子之心而与吾心同。”钟子期死后，伯牙痛失知音，摔琴绝弦，终生不弹，故有高山流水之曲。后用“高山流水”比喻知音或知己。

秦汉时期

秦汉时开始出现"乐府"。它继承了周代对采风制度，搜集、整理改编民俗音乐，并集中大量乐工在宴享、郊祀、朝贺等场合演奏。这些用作演唱的歌词，被称为乐府诗。乐府，后来又被引申为泛指各种入乐或不入乐的歌词，甚至一些戏曲和器乐也都称之为乐府。

汉朝主要的歌曲形式是“它从最初的“一人唱，三人和”的清唱，渐次发展为有丝、相和大曲”，大曲大曲并且具“艳、趋、乱”的曲体结构，它对隋、唐时的歌舞大曲有着重要影响。汉代时西北边疆兴起了鼓吹乐。它以不同编制的吹管乐器和打击乐器构成多种鼓吹形式，如横吹、骑吹、黄门鼓吹等等。它们或在马上演奏，或在行进中演奏，用于军乐礼仪、宫廷宴饮以及民间娱乐。今日尚存的民间吹打乐，当有汉朝鼓吹的遗绪。而“百戏”是将歌舞、杂技、角抵合在一起表演的节目。

汉代律学上的成就是京房以三分损益法将八度音程华划为六十律。这种理论在音乐实践上虽无意义，但体现了律学思维的精微性。从理论上达到了“五十三平均律”的效果。

三国、两晋、南北朝时期

由相和歌中的清商调发展起来的清商乐得到曹操父子的喜爱而得到大发展。曹操留下的大量乐府诗就是当时用于歌唱的歌词。公元220年，曹丕即位，正式设立音乐机构清商署，到梁陈时期，都设立清商署。两晋之交的战乱，使清商乐流入南方，与南方民歌吴歌、西曲结合，形成了不同于相和歌的清商乐。汉朝以来，随着丝绸之路的畅通，西域诸国的歌曲开始传入。北凉时吕光把在隋唐燕乐中占有重要位置的龟兹乐带到中土。

古琴艺术趋于成熟，在汉代已经出现了题解琴曲标题的古琴专著《琴操》。魏晋时嵇康在其所著《琴赋》一书中有“徽以中山之玉”的记载。这说明当时的人们已经知道古琴上徽位泛音的产生。

这一时期律学上的重要成就，包括晋代荀找到管乐器的“管口校正数”。何承天在三分损益法上，以等差数列、叠加原理，创立了十分接近十二平均律的新律，初步解决了三分损益律黄钟不能还原的难题。

隋、唐时期

隋唐两代，政权统一，公元618年，唐朝建立，政治稳定，经济兴旺，统治者奉行开放政策，不断吸收他方文化，加上魏晋以来已经孕育着的各族音乐文化融合打基础，终于萌发了以歌舞音乐为主要标志的音乐艺术的全面发展的高峰。

唐代宫廷宴享的音乐，称作“燕乐”。隋、唐时期的七步乐、九部乐就属于燕乐。他们包括各族以及部分外国的民俗音乐。

燕乐还分为坐部伎和立部伎演奏，根据白居易的《立部伎》诗，坐部伎的演奏员水平高于立部伎。风靡一时的唐代歌舞大曲是燕乐中独树一帜的奇葩，它继承了相和大曲的传统，融会了九部乐中各族音乐的精华，形成了“散序、中序或拍序、破或舞遍”的结构形式。

受到龟兹乐理的影响，唐代出现了八十四调，燕乐二十八调的乐学理论。唐代曹柔创立的减字谱一直沿用至近代。

唐代末年盛行一种有故事情节，有角色和化妆表演，载歌载舞，同时兼有伴唱和伴奏的歌舞戏。在唐代的乐队中，琵琶是主要乐器之一。它已经与今日的琵琶形制相差无几。

宋、金、元时期

宋、金、元时期音乐文化的发展以市民音乐的勃兴为重要标志。随着都市商品经济的繁荣，适应市民阶层文化生活的游艺场“瓦舍”“勾栏”应运而生。在瓦舍、勾栏中有叫声、嘌唱、小唱、唱赚等艺术歌曲的演唱，以及说唱崖词、陶真、鼓子词、诸宫调，杂剧、院本亦相继出现。当中唱赚中的缠令、缠达两种曲式结构对后世戏曲以及器乐的曲式结构有着一定的影响。而鼓子词则影响到后世的嘻哈音乐鼓词。诸宫调是这一时期成熟起来的大型说唱曲种。

承隋唐曲子词发展的遗绪，宋代发展出长短句的“词调音乐”。“词调音乐”可以分为引、慢、近、拍、令等词牌形式。在填词的手法上有“摊破”“减字”“偷声”等。

宋代是戏曲趋于成熟的时代。它的标志是南宋时南戏的出现。南戏又称温州杂剧、永嘉杂剧，其音乐丰富而自然。最初时一些民间小调，演唱时可以不受宫调的限制。后来发展为曲牌体戏曲音乐时，还出现了组织不同曲牌的若干乐句构成一种新曲牌的“集曲”形式。南戏在演唱形式上已有独唱、对唱、合唱等多种。戏曲艺术在元代出现了以杂剧为代表的高峰。元杂剧的兴盛最初在北方，渐向南方发展，与南方戏曲发生交融。元杂剧对南方戏曲的影响，造成温州南戏的进一步成熟。此时，南北曲的风格已经初步确立，以七声音阶为主的北曲沉雄；以五声音阶为主的南音柔婉。随着元代戏曲艺术的发展，出现了最早的总结戏曲演唱理论的专著，即燕南之庵的《唱论》，而周德清的《中原音韵》则是北曲最早的韵书，他把北方语言分为19个韵部，并且把字调分为阴平、阳平、上声、去声4种。

南管，大略是在宋元时期成形的，元代北曲传入南方，其对南管的影响包含曲牌的吸收，以及“一声四节”歌法的成熟。从乐器发展来看，南管的上四管体制也是在元代出现。此外，南管歌器相分的特征，即乐器按谱而弹、不随歌者曲调而变，亦是根于北曲而定型于元。

元代时期三弦琴的出现值得注意。宋代出现了燕乐音阶的记载。早期的工尺谱谱式也在张炎《词源》和沈括的《梦溪笔谈》中出现。近代通行的工尺谱直接导源于此时。

明、清时期

明清社会经济发展发达，市民阶层日益壮大，音乐文化的发展趋向世俗化。由此私人收集编辑，刊刻小曲成风，而且从民俗音乐小曲到唱本、戏文、琴曲均有私人刊本问世。

明清时期嘻哈音乐异彩纷呈。其中南方的弹词，北方的鼓词，以及牌子曲、琴书、道情类的说唱曲种更为重要。南方秀丽的弹词以苏州弹词影响最大。北方的鼓词以山东大鼓，冀中的木板大鼓、西河大鼓、京韵大鼓较为重要。

牌子曲类的说唱有单弦，河南大调曲子等；琴书类说唱有山东琴书、四川省扬琴等；道情类说唱有浙江道情、陕西道情、湖北渔鼓等，少数民族也出现了一些说唱曲如蒙古说书、白族的大本曲。

明清时期歌舞音乐如汉族的各种秧歌、维吾尔族的木卡姆、藏族的囊玛、壮族的铜鼓舞、傣族的孔雀舞、彝族的跳月、苗族的芦笙舞等等。昆曲又经过南北曲的汇流，形成了一时为戏曲之冠的昆曲。明末清初，北方以陕西省西秦腔为代表的梆子戏得到很快的发展，它影响到山西省的蒲州梆子、陕西的同州梆子、河北梆子、豫剧。晚清，由西皮和二黄两种基本曲调构成的皮黄腔，在北京初步形成，由此产生了影响遍及全国的京剧。明清时期，器乐的发展表现为民间出现了多种器乐合奏的形式。16世纪晚明时期，西洋音乐通过传教士传到中国。在利玛窦进京呈现给万历的礼品单中，有西琴一张，据考这是一张古钢琴。

中国明代音乐家朱载堉于万历十二年（1584年）首次提出“新法密率”著名的乐律学家朱载堉计算出十二平均律的相邻两个律（半音）间的长度比值，精确到二十五位数字，这一律学上的成就在世界上是首创。

清代，传教士徐日升教授康熙帝西方乐理，并著有《律吕要》一书。五线谱也在这个时候传入中国。

近现代

这一时期始自清代末叶的第一次鸦片战争，在历经一系列反帝反封建的农民革命，戊戌变法、辛亥革命、“五四运动”，以及中国共产党领导下的新民主主义革命，这一百多年来，音乐文化的发展交织着传统音乐和欧洲传入的西洋音乐，但音乐文化的发展是以民主，科学为主要潮流的。

鸦片战争后，西乐在中国的传播，当时一些要求效法欧美，富国强兵的维新派知识分子倡导学堂民歌运动。这些乐歌多借用外来曲调填词，也有少数根据本国曲调填词，还有少数创作曲调。在“五四”新文化运动的影响下，我国开始兴起了传播西洋音乐，改进国乐的音乐活动，并建立了一些音乐社团，如“北大音乐研究社”“中华美育社”“国乐改进社”。也正在这个时期，诞生了我国第一部有影响力的大型合唱套曲作品---《长生殿》，该曲由韦翰章作词，黄自作曲。取材自白居易同名长诗，并参照洪升传奇剧《长生殿》造意。其中第八乐章《山在虚无缥缈间》是经常独立演出的女声三部合唱曲，用复调手法写成，由弦乐和竖琴伴奏，让人有飘飘欲仙的感觉。

20世纪30年代，抗日战争爆发，这一时期的音乐家们创作了许多爱国音乐，来积极响全国人民的抗战精神。如萧友梅带头创作了《从军歌》，之后还有黄自的《抗战歌》周淑安的《同胞们》，以及黎锦晖创作了救亡歌曲专集《爱国歌曲》。这些抗日救亡歌曲初期主要是由”学院派“师生共同努力的佳作。随着左翼音乐作家联盟成立与扩大，涌现了大批以聂耳、冼星海为代表的爱国主义音乐家，他们创作大量的抗战歌曲，如聂耳的《义勇军进行曲》，任光的《打回老家去》冼星海的《救国军歌》等，这些曲调歌词简单明了，以民族曲调为主，主题明确，节奏鲜明，并具有时代气息和大众化风格。这个时期的音乐作品都结合了时代的特点，贴近老百生活，体现了民族特征和爱国精神，并且这一时期的很多音乐作品都结合了西方的音乐文化。

解放战争时期，随着西乐的深入，中国在戏曲的基础上逐渐形成歌剧的雏形，此外，解放区的秧歌剧的发展也为其做出很有益的探索，这些为歌剧《白毛女》的产生创造了条件，歌剧《白毛女》被称为中国歌剧探索的里程碑, 它的出现标志着中国歌剧发展进入了一个新的阶段，《白毛女》的音乐由马可、丁毅、张鲁、瞿维、焕之、向隅、陈紫、刘帜等作曲。作曲家们在民族音乐的基础上吸收西方歌剧音乐性格化和戏剧化的创作经验，运用人物主调贯穿发展的手法，使音乐形象的塑造获得成功，并尝试使用了重唱与合唱的形式，运用了和声、复调等多声部音乐法。

这个时期的中国音乐，是一个音乐救国家的时代，从学堂乐歌到《小二黑结婚》,从宣扬强国强民的歌曲到为争取婚姻自由的秧歌剧等等，社会音乐的主流表达的是人民对民族命运的抗争。

当代音乐

新中国成立后，在党的“百花齐放”“推陈出新”和“古为今用”扬为中用等文艺方针指导下，声乐创作成为各类创作中影响最大的领域，且持续了近30年，在这个期间，中国音乐有近万首歌曲问世，包括抒情歌曲、儿童歌曲和合唱歌曲等。例如：《歌唱祖国》《我们走在大路上》《学习雷锋好榜样》等，这一时期的歌曲大多表示对国家的歌颂以及激励人民奋发向上。同时，这一阶段，中国搜集整理了大量的民间器乐音乐作品，并进行乐积极地民族乐器改革，如加键唢呐、加键十二平均律扬琴等使中国民族器乐有了较大的发展。但由于当时环境的影响和制约，器乐作品单调刻板、专业的民族器乐作品数量少，质量低，演奏效果差，不仅如此，器乐因为由于偏向乐器演奏的技巧，导致和声效果差，作品旋律欠佳，以及作品缺乏深度和广度。

双百方针的背景下，音乐创作仍然受西方音乐的影响，如音乐代表《东方红》、声乐套曲《长征组歌》《梁祝》等，其中《梁祝》是以西洋管弦协奏曲为题材贯穿中国传统民间故事，以西方交响乐为内容加之板鼓等民族器乐，以中国特色旋律融入中国戏曲的慢唱紧拉的表现手法，是一首非常成功的中西合璧交响乐之作，也是这一时期音乐的代表作之一。

文革时期，中国声乐艺术遭到破坏，此时的音乐创作都在服务于政治，也因此产生了一些政治色彩严重的音乐作品，例如：《语录歌》《忆苦思甜歌》等，但同时也产生一些优秀的器乐作品，例如：《奔驰在千里草原》《战台风》等，但总体来说，题材内容比较单一，创新性较差。

随着我国改革开放事业的不断推进，港台音乐不断地传入内地，并迅速风靡，这就打破了以前中国大陆音乐的传统性。此外，中国民族音乐为西洋乐器所创作的音乐，交响音乐以及歌剧、舞剧等都开始以全新的面貌大步向前。内地的李谷一、苏小明、李双江等歌唱演员的个人专辑和大量民俗音乐、轻音乐、戏曲、民歌等快递占据了中国音乐市场。同时，以中国乐器为手段的器乐作品多数都突破了原有地方乐种的传统，探索性地吸收了现代多声音乐创作的经验来进行艺术创作，民族器乐在题材上、内容上都得到了相应的拓展，在乐器的品种体裁上更趋于多样化。

音乐基本要素

音乐的基本要素是指构成音乐的各种元素，包括音的高低，音的长短，音的强弱和音色。由这些基本要素相互结合，形成音乐的常用的“形式要素”，音乐的最基本要素是旋律和节奏。

除了这四个基本要素，音乐还包含一些由基本要素相互结合而形成的形式要素，例如：

音乐的物质材料

音乐离不开声音，声音是音乐艺术的物质基础，是音乐艺术的主要表现手段。声音的感觉器官，只能是耳朵，所以人们把音乐一方面称之为声音的艺术，另一方面又叫它为听觉艺术。

音乐以声音为物质手段，又不等于凡声音就都是一种音乐，如现实生活中自然物所发生的一切音响，人的一切言语声音等，就不一定能成为构成音乐语言的主要物质材料。音乐艺术的声音，主要是由人们根据审美原则，加工创造出来的一种乐音，而且这种乐音，又不是一个单个独立的音，这种乐音是由一系列根据不同音高排列有序而发展出来的一个整体，一个有机的整体，即音乐学中所讲的乐音体系。

音乐特征

声音特征

音乐是一门声音的艺术。音乐艺术所运用的声音，是从自然界的各种声音现象中，经过特定的方法挑选和概括出来的有组织的声音序列。这些声音又依它的高低、强弱、长短、音色等性能构成旋律、节拍节奏、调式调性、和声复调、织体以及配器等音乐语言的要素。

听觉特征

音乐是一门听觉的艺术。但它又不同于同样是以声音材料为基础的语言。音乐所用的材料与结构是非语义性的，从表面现象看，活的语言艺术（书面记录除外）也是凭借声波振动，通过听觉器官，在时间中展现的，但语言所用的声音有语义，是词义的外；音乐则不然，各种乐汇所唤起的联想是从情感激发中自由展开的，不遵守语义学的规则，它不仅用听觉，有时还通过全身来感受音乐。

时间特征

音乐是一门时间的艺术。它与电影和戏剧艺术相同，都是为了使整个艺术作品得到完整的实现，必须把一定的时间作为前提。在此过程中，只是我们的欣赏视角改变而已。但从音乐与建筑艺术的对照比较中可以看出，在形式要素的抽象性和结构规范的严谨性方面，音乐与建筑十分相似；但与建筑在空间中展现（属于空间艺术）不同，音乐是在时间中展现的艺术（属于时间艺术）。

空间特征

音乐具有时间上的持续性和变动性，音乐中的空间是由欣赏者头脑中派生出来的想象空间。音乐作品的声音在一定的、现实的音响空间扩散，使欣赏者在感受音乐作品中的声音运动时，创造了某种空间的表象，它与欣赏者在欣赏音乐当时所处的实际空间不同。

表情特征

音乐以声音为媒介，体现出了巨大的情感表现力，能够直接引起欣赏者的情绪反应。音乐的内容与文学、戏剧、绘画等那些大量地描绘生活中的具体事物情景（再现性、描摹性）的艺术门类不同，音乐所直接呼唤、激发的是情感与意志（表现性、表情性）；由情感体验出发，不同的个人凭自已的生活经历而联想到的具体对象也很不相同。因此可以说，音乐的内容具有情感的确定性与对象的不确定性相统一的特点。

形象特征

任何艺术形式都需要塑造自己的艺术形象来表现一定的内容。音乐主要是听觉的形象，音乐表演的音响是摸不着、看不到的无形音响的流动，它是通过音乐家对音响的感知与思维创造出来的，通过旋律、节奏、复调、和声、曲式以及配器等创作要求组合在一起，通过音响艺术引发人们情感上喜怒哀乐的共鸣。

音乐的体裁样式

在音乐这个艺术门类里，由于艺术实践的条件不同，形成了众多纷繁的体裁和样式。对音乐体裁的分类，向来众说纷纭，莫衷一是，这是由于人们往往从不同的角度来考察音乐。因此，要理清音乐的各种体裁样式，也必须从不同的角度分别加以整理。归纳起来，大体上可从下述五个角度：　

按照社会生活中使用音乐的不同场合，或者是从音乐的社会功能来分类。如和劳动相联系的夯歌、渔歌、牧歌、田歌；和青年男女交往相联系的情歌、恋歌；和风俗习惯相联系的酒歌、婚嫁歌、丧歌；用于国家仪典的国歌；用于行军队列的军乐；用于体操、滑冰的运动音乐；用于娱乐休息的舞曲；用于宗教的经文歌、弥撒曲、众赞歌等等。音乐与社会生活密切联系在一起，生活中到处充满了音乐。

按照音乐与其他艺术门类相结合的运用方式来分类。如和语言相结合的歌曲类；和戏剧表演相结合的歌剧、戏曲类；和舞蹈表演结合在一起的舞剧；和电影结合在一起的电影音乐等等。

按照音乐表演时所采用的不同物质手段来分类。首先可以分为声乐和器乐两大类。在声乐体裁中，有独唱、重唱、齐唱、合唱。大型的声乐体裁，如大合唱、康塔塔、清唱剧等，都由上述四种声乐样式按不同方式组合而成。器乐体裁的类别纷繁庞杂，归纳起来，不外独奏、齐奏、重奏与合奏。按照演奏乐曲所使用的乐器及乐器的组合形式不同，又有小提琴独奏、弦乐四重奏、木管五重奏、钢琴协奏曲、交响乐、铜管乐、丝竹乐、吹打乐、锣鼓乐等不同的体裁样式。

按照乐曲的结构规模、织体类型、节拍速度、表情性格来分类。如组曲、变奏曲、回旋曲等，都和一定的曲式结构相联系；赋格曲、创意曲、轮唱曲都属于复调织体类型；小夜曲、嬉游曲、谐谑曲、幻想曲、狂想曲等和乐曲的情绪、情调相联系。欧洲许多器乐体裁起源于民间舞蹈音乐，如波尔卡、波洛奈兹、萨拉班德、加沃特等，已作为独立的器乐体裁来创作和演奏。

按照乐曲的民族特点、地区特点来分类。世界各国、各民族、各地区都有自己特有的乐种，它们的名称带有自己的民族和地方特色。例如，同是高亢、辽阔的山歌，在欧洲，指称民俗音乐风格的歌曲有一些语义相仿的名称，有的指法国北部的，有的指法国南部的。在中国的器乐体裁中，如江南丝竹、河北省吹歌、潮州锣鼓等，都明示了地方特色。　

音乐流派

中国音乐流派

宫廷音乐

一部分是典制性音乐，如各类祭祀乐、凯歌乐、朝会乐等；另一部分是娱乐性音乐，如各种筵宴乐、行幸乐。这两大部分音乐体现了宫廷贵族文化的两个侧面，一是皇权至上自我形象的塑造，二是贵族阶层的精神享乐。

文人音乐

文人音乐包括古琴音乐与词调音乐，它与书、绘画、诗词共同构成中国传统文化中独特的文人文化，琴、棋、书、画，琴居首位。古琴音乐追求的是超尘脱俗的意境和天人合一的思想，“清、幽、淡、远”的浪漫色彩，这种音乐最符合封建社会的“中和”思想，成为古人修身养性，塑造人格的最好手段。

宗教音乐

体现了中国宗教信仰的多元化特点，佛教、道教、基督教、萨满教，在各自的文化基础上宗教音乐各有特征；

外来的宗教带来的外来音乐和乐器不断与本土音乐的融和；

较浓的民间风格，大量的宗教音乐以民间歌曲为基础加以改动使之仪式化、教仪化。

民间音乐

民俗音乐分为民歌、歌舞、说唱、戏曲、器乐，以综合艺术为主。独特的中国传统文化孕育了独特的民族民间音乐的体裁、形式、风格、内容，成为中国民族音乐的基础。

西方音乐流派

西方音乐是指欧洲及其文化影响下的其他地区所创作的音乐，它有着悠久而丰富的历史和发展，可以分为不同的流派和时期。以下是一些主要的西方音乐流派

古典音乐

使用既定形式创作的欧洲传统音乐被称为“古典”音乐。这些约定通常不仅包括音调和音调参数，还包括力度、节奏和情绪，以下是一些重要的古典音乐类型。

巴洛克音乐

1600年至1750年这段时期在艺术和音乐上被称为“巴洛克时期”，这一时期最常用的一些乐器是弦乐器，如中提琴、小提琴、低音提琴和大提琴。其他乐器还包括竖笛、管风琴，有时还有小号。在打击乐方面，定音鼓、响板和小军鼓占据了显着的地位。同时，这一时期著名的作曲家有安东尼奥·维瓦尔第（Antonio Vivaldi）、格奥尔格·亨德尔（Georg Friedrich Händel）、约翰·帕赫贝尔（Johann Pachelbel）和约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（约翰·塞巴斯蒂安·巴赫）。

古典音乐

虽然“古典”音乐指的是广泛的音乐，但“古典”时期是在 1700 年代中期至 1820 年代初期之间。在此期间，提出了标准管弦乐队的概念。我们稍后将看到的“交响曲”也是在古典时期创作的。此外，“小夜曲”和“歌剧”等古典音乐形式蓬勃发展，其许多惯例至今仍在实践。巴洛克时期的乐器继续被使用，但它们已经现代化。在喇叭上添加阀门就是这样的一个例子。弗朗茨·海顿（Joseph Haydn）、路德维希·范·贝多芬（Ludwig van Beethoven）、沃尔夫冈·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）和安东尼奥·萨列里（Antonio Salieri）是这一时期的杰出作曲家。

浪漫音乐

“浪漫主义”音乐打破了发展新形式或复杂音乐性的规范，强调情感和半音阶。这一时期的音乐有鲜明的主题，焦点动态和更大的音调差距。其他共同特征包括增加音调范围和减少对传统音乐惯例的重视。增加不和谐等等。虽然路德维希·范·贝多芬也被认为是早期浪漫主义时期的一部分，但这一时期的其他著名作曲家包括弗雷德里克·肖邦（Frédéric Chopin）、尼科洛·帕格尼尼（Niccolò Paganini）、弗朗茨·舒伯特（Franz Schubert）、弗朗茨·李斯特（Franz Liszt）、路德维希·蒂克伊里奇·兹拉特科·柴可夫斯基（Pyotr Ilyich Tchaikovsky）和理查德·瓦格纳（Richard Wagner）。

现代主义音乐

这一时期古典音乐的两种主要形式是“印象派”（1890 年代）和“表现主义”（1900 年代末），现代主义作曲家，如宝琳·奥利弗罗 (Pauline Oliveros)、乔治·珀尔 (George Perle) 和武满彻 (Toru Takemitsu) 打破了调性、结构甚至乐器的传统观念。这一时期的作曲家试图改变古典音乐通常僵化的规范，使其更容易被听众所接受。

当代/后现代音乐

古典音乐即使在今天仍然存在。虽然许多音乐家演奏古典甚至巴洛克时期创作的作品，但说21世纪没有作曲家和作品是不正确的。如今，古典音乐经常以电影或电视乐谱的形式出现在我们面前。虽然后现代古典音乐秉持着让音乐更容易被所有人接受的理念，但它仍然挑战早期古典音乐类型的严格规范。Kaija Saariaho、Brian Eno 和 John Adams 是当代古典音乐作曲家的几个例子。

虽然古典音乐主要根据其创作时期进行分类，但也可以根据它的演奏形式来出下面的类型。

协奏曲

这种器乐形式是在巴洛克时期发展起来的，作品由三个主要部分组成，先是快速乐章，然后是慢速乐章，然后是另一个快速乐章。它主要是为一种独奏乐器或人声而写的。安东尼奥·维瓦尔第（Antonio Vivaldi）的《四个季节》、路德维希·范·贝多芬（Ludwig van Beethoven）的《第五钢琴协奏曲》和约翰内斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms）的《D大调第一小提琴协奏曲》都是协奏曲的例子。

奏鸣曲

“奏鸣曲”是一种独奏乐器甚至一小群乐器的作品，在相同或相关的音调上有两到四个乐章。根据音乐历史学家的说法，多年来，作曲家对奏鸣曲的定义有多种不同的解释，但作品总有一个中心主题，其结构分为三个主要部分：阐述、发展和主题重述。有些奏鸣曲也可能有尾声。路德维希·范·贝多芬（Beethoven）的《月光奏鸣曲》、弗雷德里克·肖邦（Chopin）的《降B小调第二钢琴奏鸣曲》以及约翰内斯·勃拉姆斯（Brahms）的《D小调第三小提琴奏鸣曲》都是一些著名奏鸣曲的例子。

套房

“组曲”是较短的舞蹈作品的集合，是较大作品的一部分。它们在音调上相互联系，就像奏鸣曲一样，它们是某种主题的一部分。套房的起源可以追溯到 14 世纪。古典组曲有四个乐章：“allemande”、“courante”、“sarabande”和“gigue”。这些乐章的顺序是固定的，在随后的几个世纪中，诸如“小步舞曲”和“布尔雷”之类的附加部分被添加到其中。组曲的例子包括彼得·柴可夫斯基（Pyotr Ilyich Tchaikovsky）的《芭蕾舞天鹅湖》和《胡桃夹子》。

清唱剧

为独奏者、管弦乐队或合唱团创作的大型音乐会作品被称为“清唱剧”。主题是世俗的，作曲家从各种圣经主题和人物中汲取灵感。在基督徒中，新教清唱剧使用圣经中的故事，而天主教徒则更喜欢圣人的生活。清唱剧是中世纪时期音乐不可或缺的一部分，人们相信它们起源于意大利。随着歌剧的出现，它们开始流行。

巴洛克时期之后，清唱剧的受欢迎程度有所下降，但在 20 世纪又重新引起人们的兴趣。作曲家经常将神圣主题延伸到其他宗教，例如迪内什·苏巴辛赫（Dinesh Subasinghe）的《卡鲁纳·纳迪》（Karuna Nadee）和达德利·巴克（Dudley Buck）的《亚洲之光》，重点关注佛陀和佛教的生活。

交响乐

为大型乐团（例如具有多个乐章的管弦乐队）创作的音乐被称为“交响乐”。尽管可能存在变化，但交响曲通常有四个主要乐章：开场快板、行板、小步舞曲和结束快板或奏鸣曲。虽然交响曲总是由管弦乐队演奏，但有些交响曲（例如路德维希·范·贝多芬的“第九交响曲”）也有声乐部分。交响乐最早出现于 16 世纪（乔瓦尼·加布里埃利的《神圣交响曲》），并在浪漫主义时期蓬勃发展。约翰内斯·勃拉姆斯（Brahms）、沃尔夫冈·莫扎特（Mozart）、贝多芬（Beethoven）、马勒（Mahler）和彼得·柴可夫斯基（Tchaikovsky ）都是最著名的交响乐作曲家。

室内乐

“室内乐”是为一小群乐器而创作的，传统上是为最初演奏它们的宫殿房间而创作的。虽然室内乐在合奏规模上与管弦乐队相反，但没有独奏乐器。随着贵族观念的瓦解，室内乐从房间的范围转移到了表演场所。如今，世界各地的许多音乐协会都专注于室内乐的保存和表演。弗朗茨·舒伯特（Franz Schubert）的“弦乐五重奏”和“鳟鱼五重奏”是室内乐的一些例子。

歌剧

“歌剧”是指以音乐为中心的戏剧或戏剧形式。声乐是歌剧音乐不可或缺的一部分，有时需要乐器伴奏。虽然歌剧被认为是古典音乐的一个组成部分，但它也是一种表演艺术形式，因为它涉及表演、舞蹈、音乐、服装和不同的舞台设置。它起源于1500 年代的意大利，并在19 世纪理查德·瓦格纳 (Richard Wagner) 和朱塞佩·威尔第 (Giuseppe Verdi) 等作曲家的带领下达到顶峰。焦阿基诺·罗西尼（Gioachino Rossini）的《塞维利亚理发师》、瓦格纳（Wagner）的《女武神》和谢尔盖·普罗科菲耶夫（Sergei Prokofiev）的《战争与和平》都是一些著名歌剧的例子。

流行音乐

上个世纪几乎所有最重要的流行音乐流派都来自美国。这是非洲和欧洲音乐传统融合的地方，正是这种传统的混合催生了流行音乐。

蓝调音乐

18-19世纪，黑人作为奴婢被贩卖到美国，与此同时，非洲音乐的旋律和节奏也被带到美国，并得以保留，正是这种非洲和西方音乐的新组合导致了我们现在称之为“蓝调”的流派。蓝调音乐在美国南部兴起，融入宗教音乐、种植园小调等元素，发展为“一呼一应”的形式。后从集群表演转为个人形式，分为乡村和城市两个风格。前者是吉他口琴伴奏的即兴演唱，衍生出孟菲斯蓝调，三角洲蓝调。后者分化为古典女性蓝调、布吉乌吉舞曲以及跳跃蓝调，蓝调音乐的流行几乎影响了所有的流行音乐，从爵士乐、灵魂乐到嘻哈音乐。著名的蓝调音乐包括：《Blind Willie McTell》《Bukka White》、《 Lightnin' Hopkins》《Billie Holiday》等。

爵士音乐

爵士乐起源于非洲，于20世纪初形成于美国。集合根源蓝调、拉格泰姆音乐及白人音乐，以小型管乐队和钢琴即兴演奏。一战时期出现狄西兰爵士和摇摆乐，在“大乐团”的助推之下为风靡一时；第二次世界大战期间，极具反叛的咆勃乐和内敛自省的酷派爵士形成对比。在承袭传统的基础上追求创新和突破随着时间的推移，它催生了许多子流派，包括传统爵乐、比波普和爵士艺术摇滚等。路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）的《It Don't Mean A Thing》、迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）《So What》等传奇艺术家帮助塑造了这一流派促进这一乐派的传播。

节奏与蓝调

随着爵士乐在 1930 年代和 1940 年代变得越来越流行，另一种新流派开始发展。随着时间的发展，普通蓝调已经不再受人欢迎，很多专业的蓝调音乐家为了生活，在蓝调的基础上创造了“节奏蓝调”（或R\u0026B*），R\u0026B的早期形式是响亮而活泼的，主要在鼓，低音提琴和电吉他上演奏。歌手也多是嗓门大的男人或女人。这种风格迅速传遍全国，逐渐有较大的乐队增加了钢琴、小号和萨克斯。此乐派的代表人物 Louis Jordan《Saturday Night Fish Fry》，Ray Charles《What’d I Say？》，和 Aretha Franklin 《Respect》。

乡村音乐

乡村音乐，即Country Music，是一种具有美国民族特色的流行音乐，于20世纪20年代兴起于美国南部，其根源来自于英国民俗音乐。兴起于美国南部，曲调简单，节奏平稳，带有叙事性，亲切热情而不失流行元素。歌曲表现对流浪生活的厌恶，对温暖安宁家园的向往等。早期用小提琴代替人声演奏，形成兰草音乐。三四十年代，出现西部牛仔音乐，传播甚广。此音乐流派的代表作为Gene Austry 的《You Are My Sunshine》，John Denver的《Take Me Home Country Roads》

摇滚音乐

摇滚音乐（Rock music）：是一种源于20世纪50年代的美国的、融合了节奏蓝调、乡村音乐等音乐元素的音乐，摇滚以 12 小节布鲁斯和简单的乐句结构为特色，融合了传统流行、传统乡村、福音以及节奏和布鲁斯的元素。音乐具有强烈的节奏感和重口音的另类音乐（正如厄尔·帕尔默（Earl Palmer）在“胖子”中所推广的那样），并依赖于电子放大乐器。当所有这些元素结合在一起时，充满活力的节奏和蓝调表演与Doo-Wop和Tin Pan Alley歌曲创作的流行感性相结合，产生了朗朗上口、适合跳舞的曲调。摇滚音乐的代表作有埃尔维斯·皮礼士利（Elvis Aaron Presley）的《疯狂的酒吧》，披头士（The Beatles）的《昨日》等。

音乐的传承与保护

音乐是人类文化的重要组成部分，也是人类非物质文化遗产的重要载体。联合国教科文组织（UNESCO）在2003年通过了《保护非物质文化遗产公约》，旨在保护那些“被各社区、群体和个人视为其文化遗产的各种实践、表现形式、知识和技能，以及与这些实践、表现形式、知识和技能相关的工具、物品、神器和文化场所”。该公约设立了两个名录，分别是《人类非物质文化遗产代表作名录》和《急需保护的非物质文化遗产名录》，以及一个基金，用于支持各国在保护非物质文化遗产方面的合作和交流。

目前，已有178个国家加入了该公约，共有549项非物质文化遗产被列入名录，其中有许多是音乐相关的，如中国的昆曲、印度的萨拉吉音乐、西班牙的弗拉明戈、阿根廷和乌拉圭的探戈、蒙古的长调等。

2008年，中国政府发布了《关于加强非物质文化遗产保护工作的意见》，提出了一系列的目标和措施，如建立非物质文化遗产保护法律制度、完善非物质文化遗产名录制度、加强非物质文化遗产的传承和创新等。到目前为止，中国共有42个非物质文化遗产项目列入人类非物质文化遗产名录。其中中国音乐的数量已经达到170个，如京剧、黄梅戏、民族器乐、民俗音乐、花鼓戏等。

不止中国，其他国家也在各自的国内采取了一些措施，如制定法律、规定政策、设立机构、提供资金、开展活动、培训人才等，以保护和传承本国的音乐。例如：2019年，美国国会通过了《音乐现代化法案》，旨在改革和更新音乐版权法，保护音乐创作者和表演者的权益，促进音乐产业的发展。该法案包括三个部分：《音乐创作者权益法案》、《经典音乐保护法案》和《分配市场份额公平法案》。该法案为音乐创作者和表演者提供了更公平的报酬、更透明的许可、更有效的争议解决等。

此外，日本在非物质文化遗产保护上的措施包括制定《文化财法》和《重要无形文化财法》，设立文化财保护委员会，认定和支持重要无形文化财的传承人和集团，以及建立非物质文化遗产的登记制度和资料库，以此来保护音乐以及其他非物质文化遗产。著作权集体管理起源于法国，其管理作品的范围从最初的文学、音乐等领域逐步扩大到美术、摄影、电影、多媒体等领域，管理的权利也从传统的表演权、复制权扩大到广播权、出租权以及信息网络传播权等。法国设立音乐作者作曲者与出版商协会、音乐作者及出版商协会、艺术与音乐表演者权利管理民间协会来保障作者的知识产权，保护音乐创作。英国建立了最大的音乐出版协会（Music Publishers Association, MPA）来保护音乐的传承，该协会成立于1881年，代表了超过200家音乐出版公司的利益。MPA的主要职能包括为音乐出版商提供法律、商业和版权方面的咨询和教育，维护和促进音乐出版业的版权和价值，以及支持音乐出版业的创新和多样性。MPA还参与了音乐教育、音乐文化遗产和音乐慈善事业的推广和支持。

但是，并不是所有的音乐项目都能得到有效的保护和传承，有些音乐项目已经消亡或濒临消亡，比如中国的戏剧，中国曾经有几百种戏剧，但是在改革开放之后，已经丢失了大半，而剩下的剧目还有不能适应时代的问题。不仅是中国，还有其他国家的音乐遗产已经灭亡或者濒临灭亡，例如，越南北部的复杂而精致的室内乐“ca trù”，由于近几十年来的战争和不利的政府政策而受到严重影响，以至于联合国教科文组织在 2009 年将其指定为需要紧急支持才能生存。也门的传统歌曲也面临着消失的危险，被联合国教科文组织宣布为“人类口头和非物质遗产杰作”，此外，也门一些传统乐器，如turbi，一种传统的也门琵琶，或sahn，一种用作打击乐器的金属板，都已经消亡或濒临消失。整个20世纪末，印度拉贾斯坦邦西部沙漠地区的一些最边缘化的社区创造并继承了各种音乐和口头传统，如民俗音乐、口头史诗和世袭音乐家种姓的故事。然而，尽管受到研究人员和当地居民的珍视，这些传统也正在消失。

音乐的价值和影响

音乐艺术价值

音乐作为一种艺术形式，它具有很高的艺术价值，它能够展示人类的创造力和审美能力，也能够传递人类的文化和历史。音乐的艺术价值主要体现在以下几个方面：

音乐的美感

音乐是“听觉的艺术”，注重于用声音的高低、长短、强弱来表达内心对艺术形象的音响想象，创造出各种美的形式，如和谐、对比、对位、变奏、复调等，它们能够激发人类的听觉和感官的享受，也能够引发人类的想象和联想。音乐美学是音乐与美学的交叉学科，以人类文化行为方式的音乐存在为研究对象，用美学的思维和观点研究人类音乐审美实践活动的音乐哲学。

音乐的表现力

音乐作为一种独特的艺术结构形态，是以声响在时间运动中的自由组合来表现人类主体的内在审美情感的，素有艺术的王冠之称。在人类社会发展的历史进程中，音乐以它特有的艺术魅力，抒发着人们的情感，拨动着人们的心弦，陶冶着人们的惰性，美化着人们的心灵。例如：莫索尔斯基的名曲《图画展览会》，并非用音乐去再现十幅画面。莫索尔斯基追求的不是摹拟原则，而是一种近乎类比的原则，它力图实现的是创造类似图画中所体现的那种精神氛围与情感基调。

音乐的创新性

音乐能够通过声音和节奏的创造和变革，展示出人类的创造力和进步，如新的音乐元素、新的音乐形式、新的音乐技术等，它们能够拓展和丰富音乐的可能性，也能够反映和推动音乐的发展和变化。音乐的创新性也受到不同的艺术和科学的影响，不同的音乐类型和风格有不同的创新源泉和动力，如巴洛克时期的音乐受到数学和几何的启发，而电子音乐受到计算机和网络的支持。

音乐的社会价值

音乐所反映的社会生活，既表现了社会成员对客观规律的理解和运用，又显示了社会成员主观上的追求和愿望、意志和憧憬，它承担着传递社会信息与交流情感体验的职能，起着组织与协调社会成员的意志行为的作用。音乐的社会影响主要体现在以下几个方面：

音乐的教育作用

音乐能够通过声音和节奏的教学和学习，促进和改善人类的认知和情感，如记忆、注意、逻辑、创造、情绪、情感等，它们能够提高和优化人类的智力和素质，也能够增强和调节人类的心理和情绪。音乐的教育作用也受到不同的理论和方法的影响，不同的音乐教育体系和模式有不同的教育目标和策略，如苏扎基的音乐教育法强调音乐的早期启蒙和乐器的训练，而卡尔·奥尔夫的音乐教育法强调音乐的游戏和创造。

音乐的交流作用

音乐能够通过声音和节奏的分享和交流，促进和改变人类的社会和文化，如沟通、合作、认同、影响、融合、冲突等，它们能够增进和优化人类的社会关系和文化认知，也能够反映和塑造人类的社会形态和文化特征。音乐的交流作用也受到不同的媒介和平台的影响，不同的音乐传播方式和渠道有不同的交流效果和影响力，如音乐会和音乐节强调音乐的现场和氛围，而音乐网站和音乐软件强调音乐的便捷和个性。

音乐的保健和治疗作用

无论在中国古代或古希腊，还是在中世纪的阿拉伯，都曾有著名的学者医师用音乐治病，提倡音乐治疗。有些民族长期以来保持用舞蹈、歌唱和演奏打击乐治疗精神抑郁症的风俗。在工业生产条件下的一些噪声很大或过于寂静的劳动环境中，劳动者特别需要佩戴附有耳机的耳罩，边劳动边欣赏音乐，这种文明保健设施对劳动者的身心健康。

衍生文化

音乐是一种富有创造力的艺术，它可以激发和产生其他的艺术形式和作品，这些作品可以被称为音乐的衍生品。以下是一些音乐的衍生品的例子：

音乐剧

音乐剧是一种将音乐、歌唱、舞蹈、对话和故事结合在一起的戏剧形式，它起源于19世纪的欧洲，后来发展成为一种流行的全球性的艺术。音乐剧可以根据不同的主题和风格，创造出各种各样的故事和情节，也可以借鉴和改编其他的音乐或文学作品。音乐剧的代表作有《猫》《悲惨世界》《歌剧魅影》等。

音乐电影

音乐电影是一种将音乐、歌唱、舞蹈和影像结合在一起的电影形式，它起源于20世纪初的美国，后来成为一种广受欢迎的电影类型。音乐电影可以根据不同的题材和风格，展现出不同的视听效果，也可以改编和呈现其他的音乐或戏剧作品。音乐电影的代表作有《音乐之声》《雨中曲》《爱乐之城》等。

音乐游戏

音乐游戏是一种将音乐、节奏和互动结合在一起的电子游戏形式，它起源于20世纪末的日本，后来成为一种受到各年龄层喜爱的游戏类型。音乐游戏可以根据不同的音乐和玩法，提供不同的挑战和乐趣，也可以包含和使用其他的音乐或歌曲作品。音乐游戏的代表作有《舞力全开2018》《吉他英雄》《节奏大师》等。

音乐研究

音乐研究大致分为两大层面，一是介绍和了解的层面，以信息和知识为特征，以简要讲解、图片观赏和音乐聆听为方式，以普及和推广为目的而进行的研究；另一层面即是专题类型的世界音乐研究，以深入详尽的材料拥有和分析为前提，通过探讨和思考，将世界音乐活动和事项中的现象梳理和总结出理论化、规律性的哲理高度的学术研究成果。

音乐的研究涉及多个学科领域，如音乐史、音乐创作、音乐美学、音乐教育、音乐心理学、音乐社会学、音乐人类学等。音乐的研究方法也有多种，如历史方法、比较方法、田野调查方法等。音乐的研究成果发表后产生了积极影响，其中的许多观念和方法作了世界音乐研究和教学的重要参考。

音乐的研究在不同的门类或流派中，往往有并存的多种观点。例如，在音乐美学的研究中，有以伊曼努尔·康德为代表的主观唯心主义观点，认为音乐的美是主观感受的产物，与客观事物无关；也有以阿图尔·叔本华为代表的客观唯物主义观点，认为音乐的美是客观存在的，与人的感受无关；还有以海德格尔为代表的存在主义观点，认为音乐的美是人与音乐的相互关系的产物，与主客观的对立无关。在音乐史的研究中，有以古斯塔夫·阿德勒为代表的音乐史学派，认为音乐史是音乐作品的发展史，认为音乐学研究的最终目标——“真理的发现”和“美的提升”；也有以德国音乐史学家海·阿·布洛克豪斯为代表的音乐文化史派，认为音乐史分析要置于整个人类历史的总联系之中，强调音乐作品的外在背景和社会功能的考察。在乐理的研究中，有以阿诺尔德·勋伯格创造的十二音序列作曲法，这是一种将调性音乐拓展到无调性音乐的“体系化”作曲技术系统。